世界名画《和平鸽》的创作者是毕加索

《和平鸽》是为联合国专门创作的世界友谊作品，从此和平鸽来代表和平。世界名画《和平鸽》的创作者谁呢？下面是我整理的世界名画《和平鸽》的创作者，欢迎阅读。

世界名画《和平鸽》的创作者是毕加索

而把鸽子作为世界和平的象征，并为世公认，当始于毕加索。1940年，希特勒法西斯匪徒攻占了法国首都巴黎。当时毕加索心情沉闷地坐在他的画室里，这时有人敲门，来者是邻居米什老人，只见老人手捧一只鲜血淋漓的鸽子，向毕加索讲述了一个悲惨的 故事 。原来老人的孙子养了一群鸽子，平时他经常用竹竿拴上白布条作信号来招引鸽子。当他得知父亲在保卫巴黎的战斗中牺牲时，幼小的心灵里燃起了仇恨的怒火。他想白布条表示向敌人投降，于是他改用红布条来招引鸽子。显眼的红布条被德寇发现了，惨无人道的法西斯匪徒把他扔到了楼下，惨死在街头，还用刺刀把鸽笼里的鸽子全部挑死。老人讲到这里，对毕加索说到“先生，我请求您给我画一只鸽子，好纪念我那惨遭法西斯杀害的孙子”。

随后，毕加索怀着悲愤的心情，挥笔画出了一只飞翔的鸽子——这就是“和平鸽”的雏形。1950年11月，为纪念在华沙召开的世界和平大会，毕加索又欣然挥笔画了一只衔着橄榄枝的飞鸽。当时智利的著名诗人聂鲁达把它叫做“和平鸽”，由此，鸽子才被正式公认为和平的象征。

象征意义

爱情的使者

在遥远的过去，鸽子曾被人们看成是爱情的使者。比如在古巴比伦，鸽子乃是法力无边的爱与育之女神伊斯塔身边的神鸟，无数的少女都为之着迷，在生活中则把少女称为是“爱情之鸽”。

和平的象征

直到纪元初，鸽子才被当做和平的象征。《旧约·创世纪》记载，上古洪水之后，诺亚从方舟上放出一只鸽子，让它去探明洪水是否退尽，上帝让鸽子衔回橄榄枝，已示洪水退尽，人间尚存希望。诺亚知道洪水已开始退云，平安就要来到。洪水退去后，在世间一切生灵面前呈现了长满绿色树木的山谷和开着鲜花的幽静小道。从此，人们就用鸽子和橄榄枝来象征和平。

16世纪的宗教改革运动，给鸽子赋予了新的使命，使它成为“圣灵”的化身。直到17世纪，鸽子才“官复原职”再次充任和平使者。德意志帝国的许多城市发行了一套图案为一只口衔橄榄枝的鸽子，图案底部镌有“圣鸽保佑和平”的纪念币。

到了德国的狂飙突进运动时期杰出的代表席勒又把鸽子从宗教意上的和平象征引入到政治，鸽子又成了英勇的斗士，已不再是毫无抵抗能力的希望之象征了。

毕加索简介

毕加索( 1881年10月25日——1973年4月8日)，西班牙画家、雕塑家。法国党员。是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他于1907年创作的《亚威农少女》是第一张被认为有立体主义倾向的作品，是一幅具有里程碑意义的著名杰作。它不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚至还波及到 芭蕾舞 、舞台设计、文学、音乐等其他领域。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。

毕加索生平经历

早期经历

毕加索从小便接受父亲的训练，并有惊人的进步，这点可以从毕加索博物馆馆藏的毕加索早期作品中瞧出端倪。1893年间，毕加索早期作品里的稚气逐渐消逝，1894年，毕加索可以说是正式开始了他的画家生涯。1890年中期，毕加索的画作流露出浓浓的传统现实主义画风，《第一次圣餐》便是此时的代表作，此幅画显示出年纪轻轻的毕加索已经能处理高难度的细节[5]。同一年，十四岁的毕加索画了《姑妈佩帕的肖像画》，肖像画里的生动、精神让胡安-埃多尔度·赛洛特曾赞叹道，“毫无疑问的，整个西班牙艺术史里最棒的画作之一”。

1897年，毕加索的现实主义画风受到了象征主义影响，在一系列的 风景画 作品中，配上毫不自然的紫、绿色调，便是毕加索的现实主义时期(1899年-1900年)的特色。此时期毕加索的作品受到罗塞蒂、史丹林、图卢兹-罗特列克与爱德华·蒙克等人的影响，融合了他钦佩的画家埃尔·格雷考的特色，而产生了毕加索独特的现代画风。

蓝色时期

毕加索受到在西班牙孤单的旅行与他的朋友卡洛斯·卡萨吉马斯的自杀影响，使得蓝色时期(1901年-1904年)期间的画作常显现出阴郁的感觉。此时期的画作以蓝与蓝绿的色调为主，极少使用温暖的颜色。蓝色时期开始的确切时间据推测可能是在西班牙1901年的春季，也有可能是1901年下半在巴黎的日子。在这段时间，毕加索创作了许多描绘著骨瘦如柴的母亲与孩子的作品，用色阴暗，并有时以娼妓与乞丐作为主题。在卡萨吉马斯死后，1901年秋季，毕加索画了几幅他的画像，并于1903年完成了生平最忧郁的作品《生命》(La Vie)，现 收藏 于克里夫兰美术馆。忧郁的情绪并蔓延到了知名的蚀刻作品《俭朴的一餐》(The Frugal Repast，1904年)上。该作品描绘著一对看不见的男人与看得见的女人，两人皆身形消瘦，坐在一张老旧桌子前。毕加索的蓝色时期常使用“失明”这个题材，像是《盲人的晚餐》(The Blindman's Meal，1903年，收藏于大都会博物馆)、《赛乐丝汀娜》(Celestina，1903年)等都是蓝色时期的代表。

粉红色时期

1904年，毕加索在巴黎遇见了一位为雕塑家及艺术家工作的模特费尔南德·奥利弗(Fernande Olivier)，与其坠入爱河，而开启了玫瑰时期(又名粉红色时期，1904年-1906年)。毕加索受到与费尔南德之间的甜蜜关系影响，而大量使用鲜明、乐观的橘、粉红色系，题材多描绘马戏团的人们、杂技表演者与丑角，这成了毕加索的个人特色之一。而1904年被视为是蓝色时期与玫瑰时期之间的过渡期。

立体派时期

1906年毕加索初次看到黑人的 雕刻 ，受到莫大的感动。黑人原始、大胆、强烈的造形，给毕加索很大的刺激。1907年“亚维浓的姑娘们”画作，成为他创造立体派风格的里程碑。毕加索的立体派，基本上不是纯美学的，走向理性的、抽象的，将物体重新构成，组合，带给人更新、更深刻的感受。

晚期

第二次世界大战期间主要居住在巴黎，巴黎收复后加入法国。

1973年4月8日在法国穆甘逝世。

2004年5月，毕加索早期作品《拿着烟斗的男孩》以104亿美元的价格结标，刷新了1990年文生·梵高一幅画作8250万美元的拍卖纪录。

毕加索主要作品

毕加索一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。代表作品有：《亚威农少女》 ，《瓶子、玻璃杯和小提琴》，《格尔尼卡》，《梦》。

《亚维农少女》，毕加索作，1907年，油画，纽约，现代艺术博物馆藏。亚维农的少女1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向一种新画风的探索。于是，他画出了一幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚维农少女》。这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚维农少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然;草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家一一去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。

这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形;而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来;它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。

从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面;左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸;而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。

毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好像表现的是一个 浮雕 的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。

实际上，《亚维农少女》是一个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序，组建了一个纯绘画性的结构。

《卡思维勒像》，毕加索作，1910年，油画，100×615厘米，芝加哥，芝加哥艺术中心藏。《卡思维勒像》毕加索1909—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。

这幅《卡思维勒像》，清楚显示了毕加索是怎样将这种分析立体主义的绘画语言，用于某个具体人物形象的塑造的。令人费解的是，恰是在这种分解形象和舍弃色彩的极端抽象变形的描绘中，毕加索始终不肯放弃对于模特儿的参照。为了画这幅画，他让他的这位老朋友卡思维勒先生耐着性子摆好姿势，在他的面前端坐了有二十次。他不厌其烦地细心分解形体，从而获得一种似乎由层层交迭的透明色块所形成的画面结构。画中色彩仅有蓝色、赭色及灰紫色。色彩在这里只充当次要的角色。虽然在线条与块面的交错中，卡思维勒先生形象的轮廊还能隐约显现，然而人们却难以判断其与真人的相似性。研究毕加索的最著名的专家罗兰·彭罗斯，在看了这幅画后，曾作过这样的评述：“每分出一个面来，就导致邻近部分又分出一个平面，这样不断向后移动，不断产生直接感受，这使人想起水面上的层层涟漪。视线在这些涟漪中游动，可以在这里和那里捕捉到一些标志，例如一个鼻子、两只眼睛、一些梳理得很整齐的头发、一条表链以及一双交叉的手。但是，当视线从这一点转向那一点时，它会不断地感到在一些表面上游来游去的乐趣，因为这些表面正以其貌相似而令人信服……看到这样的画面，就会产生想象;这种画面尽管模棱两可，却似乎是真的存在，而在这种新现实的匀称和谐生命的推动下，它会满心欢喜地作出自己的解释。”(文物出版社《毕加索》，1998年，第10页)

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容易模仿的世界名画

容易模仿的世界名画，我们所知道的世界名画数不胜数，每一幅都有它背后隐藏着的含义，这些隐藏的含义需要我们去了解才能知道它的有趣和神秘，才能对一幅画产生理解。下面是容易模仿的世界名画。

容易模仿的世界名画1

第一幅、《倒牛奶的女佣人》，创作者约翰内斯·维米尔

这幅画的原著是一位女佣人在倒牛奶，做早餐的情景，而这位模仿的小学生真的是抓住了这幅画的精髓，不仅穿着打扮很相像，就连神态和动作都模仿的几乎一样，不得不佩服这位小学生的观察能力了。估计这位同学在平时学习的时候，也是一位学霸级的学生吧！

第二幅、《耳朵上绑绷带叼烟斗的自画像》，创作者文森特 凡高

这位小学生的模仿可谓惟妙惟肖，虽然没有烟斗，但是可以用勺子代替啊，没有帽子就戴一顶相似的，原著耳朵上的绷带，小学生也用白色的布包裹上了，就连表情都模仿得非常像，老师看完之后也在感慨，名画仿佛有了灵魂。

第三幅、《蒙娜丽莎》，创作者列奥纳多·达·芬奇

相信大部分人都对这幅画不陌生，很多人都想要模仿，这位小学生也不例外，不过着虽然是一位男同学，没有长发，但是这并不能难倒他，因为他用毛巾代替了长发，脸上也带上了蒙娜丽莎那神秘的微笑，网友看完直呼太像了。

真的是很佩服这位同学的脑洞啊！不过一般脑洞大的学生，都是比较聪明的，相信他平时在学校的时候，学习成绩也不会差了吧！

其实世界名画有好多，但是一些学生因为平时都忙于学习文化知识，没有时间去做其他的事情，因此也错过了欣赏这些美好的机会。

学校给学生布置这样的作业会带来哪些好处呢？

1、锻炼学生的观察能力，加强学生的动手能力

学生想要很好的完成这项作业，首先必须要能够认识这幅名画，了解它的创作背景，同时也需要学生能够细致入微的观察，同时还需要学生们有动手的能力，才能够让自己在模仿的时候更加相像。这样的作业刚好能够把学生的观察能力和动手能力结合起来，从而加强对学生这方面的锻炼。

2、培养学生的审美能力，让学生善于发现生活中的美好

现阶段有的地区已经计划将美育也纳入学生的中考成绩当中，所以学生们就需要从小开始培养审美的意识，否则到了中考的时候，成绩可能就会不理想，为了避免这样的情况发生，学校也是少费苦心，因此也希望学生能够认真对待，不要错过了这样的锻炼自己的机会。

3、加强学生与家长的沟通与互动，减少学生玩电子产品的时间

虽然学校是给学生布置的这样的特殊作业，但是学生想要很好的完成这项作业，肯定是离不开家长的帮助的，这样的作业可以拉近学生和家长之间的关系，同时还能够让学生在写完作业之后放下手机等电子产品，保护了学生的眼睛，同时也避免了学生沉默于网络当中。

容易模仿的世界名画2

第一幅、《抱貂的列奥纳多夫人》

《抱貂女郎》是1485-1490年期间意大利画家列奥纳多达芬奇创作的一幅油画。抱貂女郎又名抱银鼠的女子，作者画出了主人切奇莉亚。加勒兰妮之美和银貂的可爱，银貂的希腊文是加兰(Galen)，又与主人切奇莉亚。加勒兰妮(Gallerani)的名字相近。真是美上加美，爱上加爱。

第二幅、《马拉之死》

马拉之死》是法国新古典主义画派奠基人雅克路易大卫于1793年创作的画布油画，现收藏于比利时皇家美术馆。《马拉之死》刻意营造了一个属于穷人的空间。

在封闭狭小的陋室里，马拉倒在浴缸中，一手握着笔，一手握着染了鲜血的信，油画的上半部笔触松散凌乱，可能是一面墙，也可能只是含糊不明的空间，代表着永恒的虚无，但那个充当书桌、粗糙平实的木箱，仿佛在诉说着马拉的美德。

这幅画通过去除所有的动作、所有的寓言人物以及弱化所有的谋杀痕迹，创作出一副革命者圣像，成为法国大革命史上的经典作品。

第三幅、《美国哥特式》

《美国哥特式》与《自由、女神像》，《芭比娃娃》，《野牛镍币》和《山姆大叔》称为美国文化的五大象征。

《美国哥特式》，1930年，76、2x63、5cm，板 油彩，芝加哥艺术学院,The Art Institute of Chicago,格兰特伍德,Grant Wood,1892-1942年，美国1928年，格兰特伍德去了德国慕尼黑，很为那里的哥特艺术所迷恋。

第四幅、《持续的记忆》

达利的许多绘画的灵感来自于他年轻时生活过的地方。一些特别的风景是来自被伞状松树覆盖的Mount Pan山坡。达利绘画前景中的许多奇怪不祥的阴影来自于他对家乡山麓的流连。

成年后，达利在他的作品里画着Catalonia的风景，就像在《持续的记忆》这幅画里，背景右上角是裂开的岩石。这是达利最让人难忘的超现实主义作品之一，也是人们最愿意把它和达利联系在一起的作品。

第五幅、《The Son of Man》

比利时画家雷尼马格利特创作了人类之子（The Son of Man），作为自画像。这幅画描绘了一个戴着一个圆顶硬礼帽，穿西装的男人，他的脸大部分被一个绿色的苹果所遮盖。艺术作品的主题体现了人类与自己的作品之间的冲突，有些是可见的，有些是被隐藏的。

容易模仿的'世界名画3

1、《蒙娜丽莎》-达芬奇

这个神秘女子应该无人不知无人不晓了吧，在这幅作品中，画中女子优雅端庄，露出微妙的笑容。对于这个神秘莫测的微笑，世人有着无数的解读。

2、《拿破仑穿越阿尔卑斯山》-达维特

这幅作品中，拿破仑身骑白马英姿飒爽，理想的英雄形象跃然于画面之上。冷暖色彩对比强烈，对细节的刻画也是极其到位，表达了创作者达维特对拿破仑的崇拜之情。

3、《盲女》-约翰、埃、密莱

画面中是两个未成年的女孩子，相依为命。大一点的是个盲女，更小的女孩依偎在姐姐的怀里，仰头望着天边的彩虹，轻轻地为她讲述美丽生动的自然万物，而盲女在认真聆听用心感受。

4、《肯特海滩》-泰奥多尔、居丹

作品描述了风浪中的帆船即将倾覆时的场景，人们纷纷乘小船狼狈逃离。黑白色调的强烈对比，变现出生命与意志的不可战胜。

5、《吹肥皂泡的少年》-夏尔丹

一个少年正小心翼翼地吹一个完美的肥皂泡，旁边另一个三四岁的小孩子则正在踮起脚尖，全神贯注地观看着。这幅作品其实是一个再普通不过的题材了，但是它表现出了底层平民追求安逸、简朴的生活情趣。

6、《贩卖孩子的商人》-约瑟夫·玛丽·维安

充满戏剧性的画面中，一个女商人从篮筐里提出一个带有天使翅膀的小男孩，向一位高贵的女子表达着“卖点”。

7、《拾穗者》-米勒

这幅作品是米勒最重要的代表作，也是一幅传世之作。它无声地倾诉着农民的贫困与饥苦，焦虑与哀愁，具有强烈的社会批判意识。

1蒙娜丽莎

《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。

该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。

该作品代表了文艺复兴时期的美学方向，作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。

《蒙娜丽莎》是达·芬奇最喜爱的作品，作者生前一直把它留在自己的身边。

直到达·芬奇去世后，法国国王弗朗西斯一世用了一万二千金币，才从达·芬奇的弟子手中买下。

2最后的晚餐

《最后的晚餐》是艺术家达·芬奇于文艺复兴时期创作的大型壁画，是达·芬奇代表作之一，世界著名画作，收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。

达·芬奇以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材，将人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。

1980年该画被列为世界文化遗产。

这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。

它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达·芬奇名扬世界。

3格尔尼卡

《格尔尼卡》是西班牙立体主义画家帕勃洛·鲁伊斯·毕加索于20世纪30年创作的一幅巨型油画，长776米，高349米。

该画是以法西斯纳粹轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、暴杀害无辜的事件创作的一幅画，采用了写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争给人类的灾难。

这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。

画面左侧，一位悲痛欲绝的母亲怀抱因战争而死去的婴儿仰天哭喊，她的身后立着一个恐怖的牛头，牛脸上流露出残忍的狞笑。

根据毕加索曾在其他绘画作品中以牛头表示邪恶的习惯分析，这个牛头代表了法西斯的残暴和黑暗。

画的中间部分，一匹被刺伤的马昂头张着嘴，发出哀鸣，据画家本人说，这匹马象征西班牙人民，它代表受难的西班牙。

马的身下躺着一名死去的战士，他的右手握着被折断的剑，剑旁有一朵鲜花，这朵花是对死去战士的悼念。

一个妇女从窗子里探出身体，右手举着一盏油灯，油灯的左上方有一盏像眼睛似的电灯，灯光像锯齿一样射向四周，这些象征揭露，画家要将这一切罪恶和黑暗置于光照之下，让全世界都明了。

4星月夜

挚爱深夜的梵高在圣-雷米的初期所画的这幅"星月夜"是凡·高深埋在灵魂深处的对世界的感受。
在这件作品中, 闪烁于碧蓝色夜空中的星星, 格外夺人眼目。

每一颗大星、小星回旋于夜空中, 新月也形成一个漩涡, 星云与棱线宛如一条巨龙不停地蠕动着。

暗绿褐色的柏树像一股巨形的火焰, 由大地的深处向上旋冒;

山腰上, 细长的教堂、尖塔不安地伸向天空。所有的一切似乎都在回旋、转动、烦闷、动摇, 在夜空中放射艳丽的色彩……

这幅油画是他所画的为数不多的, 不靠直接观察对象, 而用虚构的形与色, 凭想像创造某种气氛的作品中的一幅。

5大宫女

安格尔的艺术“清高绝俗，庄严肃穆”，这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。

画中，安格尔放弃了很多不必要的细节，使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中，就像是精心计算过一样，每一个“数字”所代表的都是和整体息息相关的极其“危险”的事件，随意改动其中的任何一处，都会使整个画面彻底坍塌。

这也似乎验证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与和谐”的理论，毕氏仰望夜空，都能感觉到星辰的组合像是用数字组成的音乐，他曾说他有很多次真的听到了“诸天音乐”。

在这幅画上，比例、色彩像数字一样按一种奇妙的秩序排列着，华丽而不失平和。

安格尔早年游学意大利时，也一定通过古希腊的艺术作品感受到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。

故意拉长的身体，似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。

艺术并不是盲目地复制现实，而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。

这是一种美感，不需要任何理由。

齐白石说作画“妙在似与不似之间”，在形体脱开世俗的桎梏之后，精神才会完满。

这也表现在他的很多绝妙的素描之中。

6戴珍珠耳环的少女

《戴珍珠耳环的少女》，是十七世纪荷兰画家约翰内斯·维米尔于1665年创作完成的一幅油画。

该画描绘了一名身穿棕色衣服，佩戴黄、蓝色头巾的少女，以少女戴着的珍珠耳环作为视角的焦点。

该画背景铺满黑色，衬托出少女的形象。画面中的少女穿一件棕色的外衣，白色的衣领、蓝色的头巾与垂下的柠檬色头巾相互映衬，她侧身转头面向画外，嘴唇微微张开，左耳佩戴的珍珠耳环若隐若现，少女的形象与黑色的背景形成对比，凸显立体。

7维纳斯的诞生

《维纳斯的诞生》一画，原是为装饰劳伦佐的别墅而作。

据说，画家从波利齐安诺一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪，诗中形容维纳斯女神从爱琴海中诞生，风神把她送到岸边，春神又从右边急忙迎来，正欲给她披上用天空的星星织成的锦衣,纷飞的鲜花加强了这种诗的意境。

画家处理这个场面时，舍弃了原诗中一些喧闹的描写，把美神安排在一个极幽静的地方，背景是平静而微有碧波的海面。

维纳斯忧郁地站在象征她诞生之源的贝壳上，她的体态显得娇柔无力，对迎接者以及这个世界似乎缺乏热烈的反应。

它告诉观者，女神来到人间后对于自己的未来，不是满怀信心，似乎充满着惆怅。

维纳斯这个形象在一定程度上反映了艺术家自己这个时期对现实生活的惊惶与不安。

古代希腊人想象中的维纳斯，是成人般地从海中诞生的，即生下来就是个少女。

8创造亚当

《创造亚当》 是米开朗基罗于1511年至1512年创作的西斯廷礼拜堂天顶画，是《创世纪》的一部分。

该壁画描绘的是《圣经·创世纪》中上帝创造人类始祖亚当的情形，按照事情发展顺序是创世纪天顶画中的第四幅。

作为世界名画之一，后世出现了许多《创造亚当》的仿作。

西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。

米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》、《创造日,月,草木》、《神水分陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《挪亚献祭》、《洪水》、《挪亚醉酒》。

这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。

壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。

9亚维农的少女

亚维农的少女 即 亚威农少女。

毕加索的一副画过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。

立体主义则是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，把正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。

画面描绘的是一家妓院的妓女形象。

因为当时有很多人在性病中死去，画家本意是要通过这幅把放纵性欲和死亡联系在一起的画作，警告人们性病的危险，以警示那些放纵性欲的人们。

画面上的五个妓女都裸露着病态的身体，搔首弄姿，摆出招摇和引诱的姿态。

然而她们的身躯却明显被病魔缠绕着，呈现出恐惧的憔悴脸色，其中一个的脸上笼罩的黑影正是病魔的影子，另一个女人的脸简直被描绘成了病毒的样子。

10日出·印象

《日出·印象》是法国著名画家莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。

《日出·印象》作为一幅海景写生画， 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中，笔触画得非常随意、零乱， 展示了一种雾气交融的景象；

日出时， 海上雾气迷朦，水中反射着天空和太阳的颜色．岸上景色隐隐约约，模模糊糊看不清，给人一种瞬间的感受。

莫奈在阿弗尔港口创作了《日出·印象》和《日落》两幅画，而在首届印象派画展时，两幅画都没有标题。

世界名画《蒙娜丽莎》，又名《微笑》，是意大利复兴运动的代表人物、艺术大师达·芬奇的一幅力作。他通过对画中人面部表情的描绘，表现出人物鲜明的个性，给人以深刻的印象。尤其是蒙娜丽莎那嘴角微皱、眉宇舒展、脸部隐约透着的微笑，更令人觉得神秘莫测。

画家们从绘画技巧上进行推测，认为达·芬奇为这个坐在阳台上的妇女，设置了一幅透视不一的背景。这样，当人们从不同的角度欣赏时，反映在人头脑中的画像会发生位置移动，画像中人物五官的位置也在游移变动，加之画像中人的微笑刚可察觉，这就使得画中主人公的微笑颇费猜测。

有人从历史的角度联想到当时正值日趋壮大的新兴资产阶级时期，认为画家笔下的人物微笑显示了资产阶级的生机，对资本主义的明天充满了希望。这里画家所表现的已不是某一人物，而是一个新兴阶级的象征。

还有人从审美心理学的角度来解释蒙娜丽莎的微笑。同一件艺术品，不同的人或同一个人在不同的心境下去欣赏会得到不同的感受。一旦人们把自己的心境同画中主人公的微笑联系起来，便会形成不同的印象。

一些人则从医学角度，别出心裁地研究了蒙娜丽莎的“生理状况”，认为她患有内斜视等等。

值得一提的是，这幅世界名画的真品现在到底藏于何处，这也如同她的微笑一般，众口不一。有人统计，现在世界名画册上登载的《蒙娜丽莎》竟有60种之多，哪一幅会是真品呢？

第一幅：《抱貂的列奥纳多夫人》

《抱貂女郎》是1485-1490年期间意大利画家列奥纳多达芬奇创作的一幅油画。抱貂女郎又名抱银鼠的女子，作者画出了主人切奇莉亚。加勒兰妮之美和银貂的可爱，银貂的希腊文是加兰(Galen)，又与主人切奇莉亚。加勒兰妮(Gallerani)的名字相近。真是美上加美，爱上加爱。

第二幅：《马拉之死》

马拉之死》是法国新古典主义画派奠基人雅克路易大卫于1793年创作的画布油画，现收藏于比利时皇家美术馆。《马拉之死》刻意营造了一个属于穷人的空间。

在封闭狭小的陋室里，马拉倒在浴缸中，一手握着笔，一手握着染了鲜血的信，油画的上半部笔触松散凌乱，可能是一面墙，也可能只是含糊不明的空间，代表着永恒的虚无，但那个充当书桌、粗糙平实的木箱，仿佛在诉说着马拉的美德。

这幅画通过去除所有的动作、所有的寓言人物以及弱化所有的谋杀痕迹，创作出一副革命者圣像，成为法国大革命史上的经典作品。

第三幅：《美国哥特式》

《美国哥特式》与《自由女神像》，《芭比娃娃》，《野牛镍币》和《山姆大叔》称为美国文化的五大象征。

《美国哥特式》，1930年，762x635cm，板 油彩，芝加哥艺术学院,The Art Institute of Chicago,格兰特伍德,Grant Wood,1892-1942年，美国1928年，格兰特伍德去了德国慕尼黑，很为那里的哥特艺术所迷恋。

第四幅：《持续的记忆》

达利的许多绘画的灵感来自于他年轻时生活过的地方。一些特别的风景是来自被伞状松树覆盖的Mount Pan山坡。达利绘画前景中的许多奇怪不祥的阴影来自于他对家乡山麓的流连。

成年后，达利在他的作品里画着Catalonia的风景，就像在《持续的记忆》这幅画里，背景右上角是裂开的岩石。这是达利最让人难忘的超现实主义作品之一，也是人们最愿意把它和达利联系在一起的作品。

第五幅：《The Son of Man》

比利时画家雷尼马格利特创作了人类之子（The Son of Man），作为自画像。这幅画描绘了一个戴着一个圆顶硬礼帽，穿西装的男人，他的脸大部分被一个绿色的苹果所遮盖。艺术作品的主题体现了人类与自己的作品之间的冲突，有些是可见的，有些是被隐藏的。

世界名画欣赏论文
--------梵高作品《星夜》赏析
《星夜》赏析
摘要：1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。正是在这里，他以歪曲的长线，破碎的短线，饱满的色彩。为全人类创造了一幅奇幻的星空景象。
一、作品叙述
文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。
《星夜》为梵高圣雷米时期的代表作品。1889年，梵高由于精神病发作被送进的了疯人院。而正是在这样一个在我们看来充满了死寂，毫无希望之地，梵高的内心这似乎感到了安全和隐晦，疯狂的内心得以平静。梵高在这样的情形下并没有颓废，而是寻找到了自己艺术的突破，一幅幅更加成熟，更加大胆，更加令人震撼的作品。出现在我们的眼前。作品中那些旋转的线条，粗犷有力，让人 感受到梵高内心的情感倾诉。
二、作品形式分析
"他还做了另一个梦，把它告诉他的兄弟，看哪，我有更多的梦想，看哪，太阳，月亮和十一颗星再向我们敬礼。"圣经起源中的一段话给予了这位为天才创作的灵感。星夜是梵高的幻想，是梵高心中的宇宙。梵高以心中的星夜作为题材，充分表现出处于人世之外的自己对于星空的理解及感受。
整个画面，作者充分运用的夸张的艺术语言为我们展现了一个变形的，常人难以想象的，充满强烈震撼力的星空景象。作者运用弯曲的线条，以及线条旋转变化描绘出了那巨大的、卷曲旋转的星云，我们几乎无法从他的这幅作品中找到一条直线，作者的世界观仿佛在旋转。同时作者在色彩的运用上也独具匠心，全部运用大块的色域展现出一团团夸大了的星光，以及那一轮令人难以置信的橙**的明月。同时，画中的图像都充满着象征的涵义。那轮从月蚀中走出来的月亮，暗示着某种神性，让人联想到凡高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的，形如火焰的柏树，以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。
油画中的主色调蓝色代表不开心、阴沉的感觉。很粗的笔触代表忧愁。画中景象是一个望出窗外的景象。画中的树是柏树，但画得像黑色火舌一般，直上云端，令人有不安之感。天空的纹理像涡状星系，并伴随众多星点，而月亮则是以昏黄的月蚀形式出现。整幅画中，底部的村落是以平直、粗短的线条绘画，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条却产生强烈的对比，在这种高度夸张变形和强烈视觉对比中体现出了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。梵高生前非常欣赏日本浮世绘《冨岳三十六景》中的《神奈川冲浪里》，而《星夜》中天空的涡状星云画风被认为参考并融入了《神奈川冲浪里》的元素。
三、作品解释
有云的夜空充满了旋转，恒星发光闪烁着自己，明亮的新月。虽然功能被夸大了,这是一个场景，我们都可以涉及到，也是一个最适合个人感觉舒适，安心。这天保持观众的眼睛画走动，下面的曲线和制造出一种视觉圆点星点使用。这一运动一直扎根在旁观者所涉及的绘画，而其他因素：
下面的地平线上连绵起伏的丘陵有一个小城镇。有一个和平的本质结构的流动从。也许阴凉窗口颜色和火热的火花回忆我们自己的天空繁星温暖黑暗的童年和年满夜间想象中存在的东西。镇中心的点是高大的教堂尖顶的，执政的建筑物基本结束较小。这种尖顶蒙上了一个小镇上的稳定感，并创建一个规模和意义上的隐居。
为了画左侧有一个巨大的黑色结构，开发了一个更大的规模和孤立感。这种结构是宏伟的绘画相比，规模在其他物体。镜子弯曲的线条，创造的天空画的感觉深度。这种结构也允许观众解释它是什么。从布什山的一叶菜，形成分析，这是广泛和丰富多彩的。
在这幅画中，天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆，顺着画笔跳动的轨迹，而涌起阵阵旋涡。整个画面，似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂，山在骚动，月亮、星云在旋转，而那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来象是一团巨大的黑色火舌，反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。
凡高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图象中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来，并且，寻找某种方式，用对比的因素与画面大的趋势相冲突，从而强化情感的刺激。我们在画中看见，前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的，与上部呈主导趋势的曲线笔触，产生强烈对比；那点点**灯光，均画成小块方形，恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉，而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。
四、作品评价
《星光灿烂的夜空》也许是文森特·梵高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是凡·高的作品, 这幅作品是虚构的。Don Mclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲"Vincent"又名"Starry Night"。
即使梵高尝试了装饰性作品的创作, 也只有极少数评论家认可他这些作品并愿意支持他在这方面的尝试。其中的部分原因无疑是梵高没能举办他所希望的个人画展, 只有这样的画展才可能摆出自己的大批作品。古斯塔夫·卡恩倒是对梵高在1888年独立沙龙上参展的三幅作品做过评论, 他说"凡·高先生的画笔挥洒得很有力", 这样的评价实际上成了批评。有些评论的作者差不多把这种笔法干脆称为装饰性笔法。1889年, 费利克斯·费内翁曾经提到, 在这幅作品里,这种"无立体感的笔触构成了粗糙的草席似的图案", 同时那漩涡关的色彩像是直接从颜料管里挤出来的。乔治·勒孔特在文章中赞扬道："热烈的厚涂……各种颜色很自然地营造出了令人感到震撼的效果。"古斯塔夫·热弗鲁瓦将梵高描绘为一个"画风景画时简直就像在雕塑风景画"的画家。这些评论或许促使人们注意到了梵高作品的表现图案和装饰性, 而其笔法则可能被认为是一种将前景和背景统一在一视觉区里的手段。可是这些评论都只有三言两语, 而几乎没有对梵高的作品做更广泛或者更深入讨论。假如从一幅幅单张作品的角度上看, 刚劲有力、别具一格的笔触便意味着传统意义上气质或者独特的个风格, 而不是装饰性图案。而凡·高的身体健康状况一旦广为人知, 他们就会毫不犹豫地认为他的笔触证明了他的病态气质和性情的不稳定。
"视域转化成浓厚的、有力的颜料浆, 沿着他的画笔的猛戳动作画出的线路展开了它的脉络。天空中央的星星的卷曲浪潮也许是无意中受了葛饰北斋的《大浪》的影响——但它的奔腾的压力, 在东方美术中却没有相等的例子。月亮从月蚀中走出来, 星星闪耀、汹涌, 柏树随着它们摇动, 把天空的韵律转化成自己的火焰状侧影的黑色扭曲。它们把天的激流传给了他, 完成了贯穿整个自然的活力的圈子。" (休斯)
参考文献：《西方绘画史图录》邵大箴著 河北美术出版社
《米勒传》 罗曼·罗兰著 山东画报出版社

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