如何用ps调出油画质感,在没有油画的效果下

1 首先打开原图：
2 接下来对原图轻微调整，适当增加色温，对衣服高光适当恢复，曝光轻微减少。
3 如果不想被画面中的绿色干扰，可以适当降低绿色饱和度。
4接着对人物细节进行修饰(液化，图章修复皮肤)。
油画中运用较多的是，因为原图中也没有太多可以利用的色彩，所以我们也就把后期色彩方向定位为。
通过曲线调整让画面呈现复古黄，对蓝色曲线和绿色曲线分别调整，再对rgb曲线进行调整增加整个色彩对比度。
5曲线调整完后(然后记得ctrl+alt+shift+E 盖印一个图层)。
6接下来对画面进行渲染，利用插件Nik_Software Efex Pro 400 对画面进行柔化渲染(完成后ctrl+alt+shift+E 盖印一层)。
7接下来我们开始利用PS内置滤镜对画面进行调节，使画面带上接近油画的笔触感。选择“滤镜-滤镜库”。
8选择“滤镜-滤镜库”找到艺术效果中的干笔画，对画笔大小、画笔细节、纹理分别调整，找到适合的参数。
9完成后画面呈现的效果，为了适当保留面部的细节，建立一个蒙版，用画笔工具对人物面部五官进行适当的恢复。
10接着再次进入滤镜库，选择“纹理-纹理化”。
11 完成。

要将一张照片或者其他类型的制作成油画效果，通常可以使用Photoshop等图像处理软件来实现。以下是一些基本的步骤：

打开要制作油画的原始图像，然后将其复制一份备用。

选择滤镜菜单，点击“油画”滤镜，调整光滑度和细节度参数（这些参数可能在不同的版本中会有所差异）。

在调整完参数后，可以使用Photoshop的图层功能来调整油画效果的透明度和混合模式，从而达到更加逼真的效果。

如果需要对油画效果进行微调，可以使用各种工具，例如画笔、模糊工具和修复工具等，来修改颜色、纹理或者其他细节。

至于这种壁纸上的油画效果是用什么软件做出来的，让我来猜测一下，有可能这种效果是使用一些专业的图像编辑软件或者艺术创作软件制作的，例如Corel Painter或者Adobe Photoshop等。不过，也有可能是使用一些在线工具或应用程序来实现，这需要进一步的调查和确认。

油画的色层有厚度，仔细看可以看到笔触肌理。印刷油画有多种形式，纸面印刷的测光看完全是平的，没有任何肌理；布面印刷的带有布纹，但是没有笔触，测光看不到除了布纹之外的任何起伏；还有一种是在布面先用透明调色膏制作一些笔触再喷绘的，这种印刷品测光看也能看到笔触，比较容易乱真，但是仔细看通常会发现事先做的笔触和画中的笔触并不能完全对应，能够更容易地识破。 另外印刷品色彩无法做到完全仿真，油画颜料的颜色有些是印刷效果无法达到的，而且印刷品往往会有整体偏色的情况，比如偏冷偏暖偏暗或偏亮，有经验的人可以直接从色彩效果上辨别真伪。

笔触是画油画时由画家自由创造产生的痕迹，有笔触不是一件失败的事情，但是如果想没有笔触，会产生比较细腻的效果，也容易比较匠气。
没有笔触的方法：
1，用软弱的笔，羊毫的画笔，
2，颜料薄一些，不一次完成，分层次画，
3，色彩过渡部分可以用手指进行渲染。
油彩干了后用砂纸会破坏了油画的光泽，使画面不够润。

        油画肌理主要起着表现物体外在特征的作用，肌理能使画面产生可触摸的特殊艺术效果，是平涂着色难以达到的。当然，这也包括画布的纹理、粗糙的底子、笔触的变化、刀法的应用以及添加物的使用。

在做油画肌理之前，要熟悉它常用的材料。如：沙子，石灰粉，大理石粉，赤铁粉，玻璃、锯末、杂草等。

无论你在使用制作过程中，添加什么材料，都会影响颜色的附着力。若使用极多的添加物，可利用上光油增加此媒材的附着力，而且使表面产生光泽。以下为各位介绍的油画肌理制作方法，既简单又能保证油画的颜色。

(1)利用大白粉或立德粉调白乳胶成膏状，利用画笔或画刀在需要的地方制作出斑驳的笔痕肌理，或将白粉膏涂于底层，用刀具、梳子、滚子等制作出所需要的肌理。

(2)将达玛或玛蒂树脂溶解于松节油再调和白颜料，达到一定粘稠度时再用画笔或大画刀在刮过胶的画布上制作理想的肌理。松节油挥发后，铅白会很快变硬(约二分钟)，因此要恰当地掌握时间，如果太迟，涂料变硬，肌理制作就难以进行。

(3)使用丙烯颜料或丙烯塑型膏制作肌理非常方便，因丙烯材料干得快，亦可以堆砌。但如果在油底子或着色后的油膜上使用，丙烯颜料易剥落，所以使用前应先用砂纸打磨一下。

(4)作画过程中可以通过稀、稠、薄、厚等色彩变化，借用笔触与刀法直接做出凹凸不平的粗糙效果，或在颜料中掺入砂子、锯末、玻璃碎末、面包渣等颗粒状材料制作肌理。

简单的油画肌理制作方法，让你的油画颜色更具生命力和附着力。

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笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。
佛兰德斯画家PP鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家F哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成。另一个荷兰画家J维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物，使画面产生宁静、温暖的气氛。油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。英国画家J康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受，他在局部用细小笔触并置颜色，使之混合成较鲜明的色块，画面较古典的褐色调子明亮得多。色彩的补色——色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理，是在后来被科学认识的，但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。他的作品启发了法国画家E德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下进行风景写生，认识到景物光源色、固有色和环境色之间的关系，认识到色调对于体现时间、环境、气氛，烘托艺术主题，构成画面意境与情调的重大意义。他们大量的风景创作画出了大自然风、雨、晨、暮等特定的色彩气氛。在此基础上，法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，以色光混合原理解决油画的色彩问题。C莫奈、A西斯莱等画家捕捉外光景物表面光线变化给人的色彩瞬间印象，用细碎笔触的厚涂法将对比色并置，他们认识到暗部或阴影并非黑色的浓淡变化，改变了用调和过的单一色彩画暗部的传统作法，在暗部和阴影部位也用色点并置。由于视觉生理的作用，并置的色点在一定距离外看去是透明的、有冷暖倾向的色块，并形成微妙的过渡。印象主义淡化了景物的体积感，强化了色彩因素，不再依靠明暗和线条形成空间距离感，而依据色光反射原理，用色彩的冷暖形成空间。印象主义的作品出现了前所未有的鲜明与生动，也表明色彩既有综合的、也有纯粹的表现力。
19世纪的欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，虽主要体现在艺术主题和内容上，但油画技法也相应各具面貌。如新古典主义注重油画中物象造型的严谨与坚实感，符合古典传统的造型法则；浪漫主义围绕悲剧的主题，力求以色彩、笔触因素和构图中运动式线条创造画中情节的紧张感；拉斐尔前派注重对画中人物心理情绪的表达，较多画面以青、紫、绿调子构成感伤的、静寂的意境……。虽然近代油画的面貌已经比较丰富，但都具有写实的整体特征，它们共同表现为：一幅油画是艺术形式的统一体，色彩的主调统一着画面各局部的颜色，局部色彩在过渡的渐变中互相形成和谐的关系，不存在孤立的色块；笔触基本上是为塑造形象而运用，显露的程度有限，并统一在或曲长、或短促的某种有序倾向中；被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。
从19世纪末叶开始，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。V凡高以疾急奔放的笔触，使浓厚、明亮的色彩充满强烈的力感，表现内心情绪的不安。P高更以象征的色彩和造型构成画面，作品的空间与传统的形式相违，具有非描述性的神秘气氛。P塞尚探研用几何形构成艺术形象，创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。
在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。例如：忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌。 随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。

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