我要从零开始学素描，谁有教程？如满意，许诺50分。

素描教程

理论
一何谓素描：
1素描( DRAWING )、速写( SKETCH )、素描( DESSEIN )。
2由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称做素描。 素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。 (艺术家杂志，论素描--萧如松)
3素描通常意味著可於平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，画笔 ，墨水，及纸张，其他还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。 (艺术视觉百科全书)
4轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过 程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。
5素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦 可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象徵甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是著重结构和形式。 (大不列颠百科全书)
6在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中，与素描相关的解释，只 有速写一项，文中认为作品或作品部份的粗略草图，是艺术家针对光影 、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨；它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录， 用来表现风景的光线效果，同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。
二素描的地位：
1素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。
2素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。
3素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的 性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然 后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素 描只是一种技术准备。到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门 独立的艺术。它有著广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质 和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。
三素描的技法和种类：
1线和线条技法，素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只 代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立於被描绘的物体之外。
2素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘於平面之上，藉由线条形式 引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象徵拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。
3在素描中可以用线条区分立体与平面，至於色彩明暗是为了加强和厘清 整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。
4素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。而更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。素描也可用多色 画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性。
四素描工具：
1素描的工具种类很多，如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等；也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系著素描的性质和构图，工具也能影响画家的情绪和技巧。
2工具的选用取决於画家所想要达到的艺术效果。一般认为，乾笔适宜作清晰的线条，水笔宜於表现平面；精美的笔触可用毛笔挥洒，而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。炭笔是两者都可兼用的。
3以作品尺寸而言，大幅素描作品适宜用木炭来画，对於轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。至於铅笔适合较小尺寸，很少大张的铅笔画，而钢笔画则更小了，往往在插画上用得较多。
五素描题材：
1素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的，后因其流畅、充实和美观，发展 成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物，不受拘束，一般以肖像和风景为主，而西方的素描常是人物和静物，到了19世纪又出现以日常 生活为题材的素描。其他还有想像和抽象素描、艺术性建筑素描等。
2至於20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 (立体 派)。
3在20世纪各流派中也有X射线式的技法，即同时看到外部和内部。表现主义画家追求『表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表』，超现实主义者则著重表现潜意识心理。
4除以上所列举各种形式的素描之外，还有实用性和技术性素描。实用素 描要清晰地记载一件客观事物，从总体上说，它不重审美，而突出技术设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。
5文学作品中的素描插图，一般是为某段文字描写而作的图画说明，但因它表现了画家特有笔法风格，至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画，这是用於社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画，进而演变成现代卡通动画片。
六素描线条的演变：
1线条的解放：(安格尔对绘画线条的革新)
(1)在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。
(2)安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限於对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。
(3)对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属於形式要求之下。
(4)讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。
2强调线条本身意义与表达的特质。
3线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：
(1)一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。
(2)德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。
七东方的素描：
1西方人认为，纯素描在远东极负盛名，多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描，他们不采用不透明的颜料，而以直接的笔触造成整体。在波斯--瑞札，阿巴西( RIZA ABBASI，1565年)也同样不用颜色而以书法线条来表现创作，把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。
2我国的山水，兰竹，花鸟，水墨画，实在完全是一种素描，自由潇洒素雅的感觉。虽然寥寥几笔，可是这里面也含著与油画同样的条件。也要有气韵，有强弱，有力量。
3中国早在西元前二世纪就已出现了素描，到汉朝末年，以线描为其特色的壁画已有很多，北魏和唐朝以后，中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。
八 艺术家对素描的态度：
不少艺术家曾临摹其他艺术家的素描，如鲁本斯 (RUBENS；西元1577~1640年)、林布兰特 (REM．BRANDT；西元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH；西元1853~1890年)。临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇，以便再创高峰。这是学习素描极重要的一步，也是准备作画的不二法门。以下是艺术家对素描的态度：
1一种特殊风格：窦加(DEGAS)，罗特列克(LAUTREC)，梵谷(VAN GOGH)
2兴趣：林布兰(REM．BRANDT)，哥雅(GOYA)
3复制用：杜米埃(DAUMIER)，季斯(GUYS)
4为鉴赏家而作：卡拉齐(CARACCI)兄弟，保罗布利尔(PAUL BRIL)，拉法吉(LAFAGE)
5用素描作馈赠：米开朗基罗(附录一)
九常用的素描用语：
1明度：色相明亮或沈暗的程度。
2比例：一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。
3构图：各部份的一种配置法，依照经过设计的格式，一致的比例，或重
复的体系去安排。
4轮廓线：描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。
5平衡：在设计或绘画里，各项元素达到均衡的状态。
6线影：平行或靠近得足以形成一个面的断续线。
7立体表现法：控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果，使物体
有三度空间的特质。
十认识素描中的明暗
1何谓明暗：(任学生自由联想发挥，唤起旧经验)
2明暗产生的原因： 有光源(不论是自然光源、人工光源)照射，才会产生明暗； 没有光，我们的眼睛将看不到任何东西。
3明暗的基本法则：
(1)光源直射处(向光)是明亮部。
(2)光源照射不到之处(背光)是黑暗部。
(3)反射光所形成的是中间灰色部分。
4利用铅笔表现明暗的方法：
(1)铅笔直立地以尖端来画时，画出来的线较明了而坚实；铅笔斜侧起来以尖端的腹部来画时，笔触及线条都比较模糊而柔弱 。
(2)笔触的方向要整理才不致混乱。
5铅笔画使用橡皮擦注意事项：
(1)初学时往往总觉得画一笔不满意时，就马上用橡皮擦去了，第二次画得不对时又再擦去，这是最不好的习惯。一则容易伤害画纸使纸张留下疤痕，再则画时就越画越无把握了，所以应极力避免。
(2)当第一笔画不对时，尽可再画上第二笔，如此画时就有一个标准，容易改正，等浓淡明暗一切都画好之后，再把不用之处的铅笔线，用橡皮轻轻擦去，这样整幅画面就清楚可爱多了。
(3)其实画面上许多无用的线痕，通常到最后都会被暗的部份遮没了, 我们只需把露出的部份擦去，这样也较为省力。同时不用的线痕，往往无形中成为主体的衬托物，所以不但不擦去无害於画面，有时反而收到无形的效果，这是我们不可不注意的地方。
6画面宾主表现:
(1)前面的,较近的东西,都应表现得强烈而明确；后面的,较远的东西,都应表现得柔弱而模糊。
(2)主体应表现得明确显著,从属的客物则应以衬托主物为目的。
石膏像静物
1 素描被看作是进入美术大门的必经之路,因为这一训练所涉及的范围几乎囊括了艺术的全部基础领域
2 写生即是直接对照实物画画,要有明确的规范性和准确性
3 素描正常的教学往往从几何石膏形体人手,因为几何体的构成万物复杂形体的基本元素
4 写生的内容包括空间,比例,透视等视觉造型因素的要求
5 石膏像的写生训练是重多艺术院校的必修课,因为它所具有的色调单一,静止不动的特点便于学生更好地从 观察研究形体
6 素描训练的第一步往往是从静物写生人手,通过这一训练可以使我们对周围现实中一切形体的多样性有所了解
7 素描画表现物体有空间,形体,体积,结构,光影等内容
8 石膏像的写生使学生有可能因他们在画人物模特时所不能达到的那种精确性来研究形体
9 石膏几何体的写生的掌握是对其他复杂形体规律表现的前提条件。
10 石膏像不仅在研究比例，关系上帮助学生更好地容易地处理活的模特而且由于石膏像中体现出的是概括的形体。
11 石膏像是经过艺术家的提炼之后的艺术形象，使学生在完成作业的同时也自觉地呼吸到艺术气息是对学生审美意识的潜移默化的提高。
12 完成了石膏像的练习自然地 就进入到人像练习，人像相对石膏像更为的丰富，因为人是有生命的。
13 从视觉上，当我们在某一角度观察形体时该形体的外缘由于透视的原因，缩减而成为较细的边缘线这是轮廓线。
14 两个面之间转折的交界处我们可以看到明显的隐晦线这是结构线。
15 在作画过程中把形体各部分在空间位置上相关的各点联系起来，用假定性的线条引导各部分的结构关系,强化空间感的表现这叫辅助线。
16 从对形象的主观感受和表现意图出发，在作画中采用意象的强调的或表现性的线条，这是主观用线。

图画的英语单词是picture ,其读音为英 ['pɪktʃə(r)] 　美 ['pɪktʃər]。具体释义如下：

picture   英 ['pɪktʃə(r)] 　美 ['pɪktʃər] 　 　

n 照片；影片；描述；图画

vt 想像；画；拍照

过去式: pictured    过去分词: pictured

现在分词: picturing   第三人称单数: pictures

picture的基本意思是“画,图画”,可指各种及照片,是可数名词。

picture可作“(生动的)描述,写照”解,通常指语言文字的生动描述,常用作单数形式,与不定冠词连用。

picture在口语中可作“影片,”解,是可数名词。

picture作“美景,景色”解时,既可指人,也可指物,常用作单数,与冠词连用。

picture还可作“情况,事态,局势”解,常用作单数,与不定冠词连用。

扩展资料

近义词区分

一、cinema，film，movie，picture

这些名词均有“”之意。

1、cinema与the连用指(上映的)，工业；可指院；在英国与the连用还可指艺术。

2、film指、影片，普通用词。

3、movie美国英语中的口语用词。

4、picture从原义指银幕或电视屏幕上的图像引申指影片。

二、describe，represent，sketch，picture

这些动词均有“描写、描述”之意。

1、describe侧重指描述细节，给读者或听众提供清晰的视觉图像。

2、represent指有代表性或象征性地描述或讲述。

3、sketch指快速地勾勒或概略地叙述。

4、picture着重能够栩栩如生地把事物或场景等描绘出来。

画画

n drawing

misc draw a picture

双语例句：

画画他很拿手。

He's good at drawing

我喜欢读书，滑冰，画画和英语。

I like reading, skating, drawing and English

他热爱画画，因此计划成为一名建筑师，但是他也会试着上上历史和文学的课程。

He plans to be an architect because he loves drawing, but he'll also try history and literatureclasses

他的第一张画画得很简单，可接下来他上了一些美术课，无人相信其后会有什么结果。

His first drawings were simple, but then he took some art classes and no one can believe what happened next

它创造了一种给孩子安全释放情绪的途径，画画以后孩子们能发泄他们大部分情绪和能量。

It is safe and creates a way to help children release their emotion After drawing, they have released most of their emotion and energy

现在公认的惯例是在那些车上画画，把自己的标志留在艺术品上。

The accepted practice today is to leave your own mark on the art by drawing on the cars

我并不怎么擅长画画，所以就选择了文字。

I was no good at drawing, so I used words instead

我的手还很小；所以不要总是期望我能做得很完美，不管是铺床，画画或是扔球。

My hands are small; please don’t expect perfection whenever I make my bed, draw a picture orthrow a ball

这项技术使人们不必拿出放在口袋里的手机，也能够挂掉电话；在手掌上写写画画就可以发信息。

The technology allows people to decline a call with the phone still in their pocket or, send a textwhile drawing on their hand

我喜欢画画和听音乐。

I like drawing and listening to music

我自始至终对于Drawing和Painting的关注侧重于其对设计方向的运用，所以我的回答更偏重于之于设计上对二者的理解。Fine Arts部分我只是因为认识一些同学略微了解，所以实际我不是回答题目的合适人选。

我们国内所认为的素描实际上是西方的Drawing。Drawing直观来看就是用铅笔之类的工具画，与之对应的Painting是用笔刷去涂。有没有颜色不是关键。
Drawing一开始是一种草稿，因为Painting的工具材料非常贵，准备起来也非常的费时，那么在正式开始画之前就需要做一些构想；同时，平常有灵感时也需要快速的记录。这就是Drawing最开始的作用，它强调的就是快速、直观而准确的进行表达（插播：painting直到管状便携颜料的出现应该才真正解放，所以印象派的出现不是偶然。也因此Winsor&Newton在画材界有着传奇的地位）。实际上真正的难点在于表达，而不是记录。也就是大家说的“画出心中想象的东西”。所以有了对Drawing形式、方法和教学的研究，怎么样最快记录形态，形态有没有规律，可不可以推测这些探索使Drawing的发展侧重于比较客观的分析，也因此在设计教学中有非常重要的地位。因为设计就是解决一个问题，如何寻找解决方案是靠分析，而不是拍脑袋的灵感。

看完上面冗长的介绍，你再翻翻《素描的诀窍》，我觉得我已经基本解释清楚“本书这种画法”的优势和亮点了。或者你都不用翻开，看封面第一页那张握着铅笔的手。
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同样的问题：对一个熟练画家，这张画要用多长时间？或者要画多少笔能完成这幅画？

思考完后，我们换个角度：这两幅画分别表达了哪些信息？
在我看来两幅画的主要信息基本一致：用手握笔画画。
对于一个熟练画家，第一幅画可能10分钟都不要，而第二幅再熟练半个小时之内都是不可能完成的。传达相等的信息量，何必选择一种更费时的方式呢？那么最快传达同等信息的方式是什么呢？
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现实就是这么残酷，在相机出现之后绘画的几乎已经失去了其记录的作用。传统写实绘画中多年训练才能养成的快速记录光影，质感，结构现在人人都可以做到，打开手机即可。
但为什么仍然有无数的设计师、艺术家、建筑师用速写簿去收集素材，去记录灵感？为什么Drawing的教学一定要作为西方设计教学的第一课？
很简单，因为绘画可以做“减法”，这个过程就叫做Abstract抽象。如果我用照片来讲述“用手握笔画画”这个内容，我很难去减少无关的元素。比如：手的质感，铅笔的质感，周围的光源，背景，皮肤，血管当然图中的照片非常成功。但是和第一张画相比，我要精细的布光，用很长时间做后期。而一个快速的Sketch我就可以删去这些无关要素，同时我可以通过加强握笔关节和肌肉的形态变化和黑白，来强调“握笔”的动作；加强笔头这个特征，强调了握住的是铅笔，而不是木棍。

所以，这幅画好在哪里？它用最快，最平实的语言，强调了核心信息。这是在照相技术如此普及的今天Drawing的实用价值。这也是西方美术院校任然如此强调Drawing教学的原因：
之于设计，你如果不能抓住核心关系，你如何能在庞杂的信息中高效分析？如果你不能高效表达你的思考，你如何与你的客户，你的合作者交流？
之于Fine Arts，也是同理。今天的Fine Arts早就不是做个漂亮东西的时代，你需要表达的是你的思想。
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理清了Drawing的意义，我接下来讲讲我的经历。我上个学期在伦敦的UAL交换，圣马丁（是的就是那所服装系蝉联所有排行榜第一的传奇学校）的建筑专业，我换了专业，所以交换过去是大一，也就是他们入学的第一个学期。我的经历只代表英国这一派的学校（美国我面试之后，发现在很多方面的差异实际上非常大）。

开学前20天左右，我们收到了第一次作业的邮件（相当变态，开学前就开始做作业）Drawing的练习。作业要求翻译成中文大致是：动态人物写生，带场景，尽量多人组合。特别注明：打电话，看书等动作幅度比较小的不算，不允许拍照再画。在圣马丁这种作业一般起交量是A4一本，也就是20张左右。首先，这是建筑学专业的作业，而且是大一新生开学。这种作业估计中国考前班磨砺一年的学生看到都头疼。
顺带介绍一下英国艺术基础教育的情况。英国的高中一般很少包含艺术类的课程，我问过的很多人是说没有。但要报考艺术类专业同样是需要作品集和面试的。于是，这些大学级别的艺术学院就会开办一些Foundation课程，实质就是国内的考前班，只是是由大学来开设（中央美院好像几年前停掉了）。这样的课程主要就是教基础的绘画知识以及创作的思考方式（根据报考的专业有极小的差异）。但不是所有人都会上这样的培训，因为即使上了，对于很多名校的录取率也是很低的，多低呢？就圣马丁的建筑来看（平面，工业设计会相对好进一些），100人左右的班可能就3个人（3人中还有两个最后实际去了AA），服装就更变态了。英国本科3年，Foundation就相当于把其他国家第一年基础部功能给取代了（大一基础部这种教学模式是美国学校开始的），但实际上其变成考前班后效率是相当之低，后文再说。
我和你一样也好奇，这么传奇的学校，学生究竟是什么水平？开学第一天下午，我们把桌子拼了一长条，70个人把自己的作业放在桌前。（手机丢了，我随便盗几张老师拍的照片）
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但为什么还要招这样子的学生呢？或者你看前面那些画，大部分人从来都没有画过人，甚至有些学生都没有打算去尝试，直接用照片，用物体。大家也没有学过结构，也没有写生过人体（我可以肯定有人都没画过画），这样的作业有意义吗？

请再上滑去看看Drawing的意义，对应到这几幅画，你又会如何评价？（忽视我那张乱入的，相比之下不是一张合格的作品）

今天国内很多人（甚至包括业内人士）还在把“真不真”作为一个评价标准，不用解释“结构对不对，多长时间能画的相对完整，光影对不对”这些都是“真不真”的外衣。自照相技术发明那天起，这就注定不会是一幅画的评价标准之一。

好了，现在来看，英国有像国内一样系统的Drawing课程吗？（我认为一个系统的Drawing课程至少包含静物、人体的写生与临摹，而且应该在老师的指导和学生相互的评价之下进行）
答案是没有的。即使你看Fine Arts的课程也一样，搜一搜圣马丁大一Fine Arts的展，平面绘画都很少，基本是装置和立体雕塑，少量是行为艺术。
你会问是不是这部分的教学是在Foundation完成的？可以这样说，但你看看上面的图，其中大多是上过Foundation的。
我要再讲一次那个故事：开学当天，有学生问：“要怎么提高Drawing的技能？”系主任回答：“Practice！”
到这里这个问题基本讲清楚了，你可以打开《素描的诀窍》，然后边看边开始Practice了
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为什么Foundation了一年，大家的Drawing技能没有多少提高呢？因为在这些学校看来，这种技能根本不必费时间教。随着”实践“次数的增多，自然而然就会有提高。同时，Drawing的问题就那么几个，翻哪本书都差不多，不懂看书就好（国外教材大多靠谱，国内靠谱的人不会费神写这种基础教材的）。美术馆大量的藏品，喜欢什么风格，带上本子去临（我不会画手，就去National Gallery一个下午，顺着把觉得塑造的好的手临一遍，第二天再去临脚和衣褶。这点可能就是国内比较劣势的地方了）。因此，松散的Foundation状态下真的有人玩了一年。国内奉为至高无上的所谓抓型，结构，质感等等技能，在如此大的作业量下（一般情况那种sketch book也就是这边所谓的Research，所有专业无一例外一个月基本要交一本），你觉得需要，几年就掌握了。至于课堂教学在学什么，这与本题无关，不论述。

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我要续一个非常个人的结尾。我要讲讲我最喜欢的一张作业。作业要求是这样的：给了我们一张地图，是一个市场（类似于我们农村赶集的一个定期开放的路边摊），我们要去这个市场买一个不超过5镑的东西，然后研究它，用15张画表现研究成果。
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这组画是我们学习委员画的（类似国内班长，负责班级各种日常琐事）。他随身会带着十几个色的儿童画彩笔，而且会用那样的笔做笔记。他的Foundation是在UAL的Wimbledon读的，这个学院以Fine Arts和舞台美术专业见长。
很可惜我找不到他那次作业的图了，但是风格、感受和上图类似。我们当时小组互评，看见他的作业时没人知道画得是什么，全是非常凌乱线条（几乎没有色调，各种色彩都有？）或者各种色块。只有一张略微有个超人的形状。
那么他研究的究竟是什么呢？

是一张硬壳包装纸，上面有一个蜘蛛侠，类似下图：
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当然那张包装纸颜色比这个凌乱粗糙多了，上面某处应该印着made in China。

就他的作业评分，我和小组同学吵到下课，即使当时英语水平，可能同学根本听不懂我说什么。
同学一致认为按照作业标准这个作业应该得低分，我说他的画最难能可贵的地方在于抓住了物体带给我们的最直观感受，并且用画面给了我们相同的感觉，这难道不是视觉艺术的追求吗？
当然，最后小组投票表决，我输了。
我后来一直在想儿童画和很多抽象作品之间的区别是什么？我们看幼儿园小朋友们画”爸爸妈妈“：妈妈就是长头发，爸爸比妈妈高，妈妈穿着裙子，四肢就是四个长条，脑袋就是一个圆圈放在身子上你可以说结构不对，比例不对，没有光影等等，但是你知道这是人。这就是人，或者爸爸妈妈这个形象给我们的直观感受，我们会记得手指如何精巧的连接，盆骨如何微妙的支撑吗？
我们刻苦练习，经过多年学习之后掌握了各种技法，使我们的画”真实“”漂亮“。每次开始绘画，我精细的考虑构图，形状，黑白灰，光影。很多时候画到一半，我会感觉很失落，我实在记不起当初我为何开始，我该在什么位置加重笔墨，来引起共鸣。我们早就忘了当初看到这个物体的第一感受，或者我们早已习惯忽略这种感受了，这种感受片面、”不真实“。

所以我一直记着这幅作品。真正最难实现的：不是表现了某种思想，而是引发了相同的感受，更难得的是加强了这种感受。
这也是UAL教会我的一个原则：不论用任何形式、手段、媒介，去带观者体验你所要表达的想法。

后来，我们有一个作业，很长一段时间纠结于这样一个问题：如何用平面绘画手段表现气味？大讨论之后，系主任是这样说的：”你们想想动画片里，是怎么表现闻到香味的？那会是一阵有着优美曲线的烟雾，有时还带着手，勾勾你鼻子。然后主人公就随着手指，飘到了窗台的蛋糕边

从严格意义上讲，学习绘画之初要先从学习素描开始，一般从石膏几何体、静物、人物石膏像、结构、人物头像等这样循序渐进的学习方过程，但是我们很多初学者没有这种条件，有的考生临时“抱佛脚”，在没有接触基础训练时，直接画人物头像，这样的学生往往不可能画得好。培养正确的学习方法，也就是建立在对物体的深入理解上。我们画素描要懂得素描的基本要素，如形体、比例、结构、明暗调子、质量感和空间感等。这些名词看起来好像不难，但具体的 *** 作确实是很不容易的。这里我们先来理解一下头部的形体结构及比例。头部的形体，从整体上可以概括成一个卵形或立方体或楔形，进一步分析知道颅骨象球形，额骨呈扁方形，额骨之下至下颔骨底的正面呈倒梯形，下大上小的梯形体的鼻子竖于其间。头部的比例有“长三停、横五眼”。这是对头部一般规律的总结，但是个体之间还存在着一定的差异。
面对一个模特，初学者可能在短时间内也可完成一幅肖像，但画面简单空洞，需要多加练习，而受过良好素描训练的人却可表现得深入而丰富。因为视觉上的敏感不同，感觉到的内容就会有差异，后者可以抓住物体的本质，在表达中能够概括简洁、明确肯定地表达对象，在短时间里抓住对象的最基本的特征，培养敏锐的观察方法。
画的种类
油画
油画（an oil painting；a painting in oils），是以用快干性的植物油（亚麻仁油、油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西画主要画种之一。
版画
版画(print) 是视觉艺术的一个重要门类。广义的版画可以包括在印刷工业化以前所印制的图形普遍具有版画性质。当代版画的概念主要指由艺术家构思创作并且通过制版和印刷程序而产生的艺术作品，具体说是以刀或化学药品等在木、石、麻胶、铜、锌等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画艺术在技术上是一直伴随着印刷术的发明与发展的。古代版画主要是指木刻，也有少数铜版刻和套色漏印。独特的刀味与木味使它在中国文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。
水粉画
水粉画，是用水调合粉质颜料描绘出来的图画。水粉颜色一般不透明，有较强的覆盖能力，可进行深细致的刻画。运用得当，能兼具油画的浑厚和水彩画的明快这二者的艺术效果。
壁画
绘在建筑物的墙壁或天花板上的图画。分为粗底壁画、刷底壁画和装贴壁画等。壁画是最古老的绘画形式之一，埃及、印度、巴比伦保存了不少古代壁画，意大利文艺复兴时期，壁画创作十分繁荣，产生了许多著名的作品。我国自周代以来，历代宫室乃至墓室都有饰以壁画的制度；随着宗教信仰的兴盛，又广泛应用于寺观、石窟（例如敦煌莫高窟、芮城永乐宫，至今大量保存着著名的佛教壁画和道教壁画遗迹。
漫画
漫画是绘画种类之一，又称讽刺画。高速画一词来源于意大利文Caricare，义为夸张，后来演变为专指具有讽刺和滑稽意味的图画，即Caricature一词。通过夸张、变形、假定、比喻、象征等手法，以幽默、风趣、诙谐的艺术效果，表现、讽刺、批评（或歌颂）现实生活中的人和事。
工笔画
工笔画是以精谨细腻的笔法描绘景物的中国画表现方式。工笔画须画在经过胶矾加工过的绢或宣纸上。 工笔画一般先要画好稿本，一幅完整的稿本需要反复地修改才能定稿，然后复上有胶矾的宣纸或绢，先用狼毫小笔勾勒，然后随类敷色，层层渲染，从而取得形神兼备的艺术效果。唐代花鸟画杰出代表边鸾能画出禽鸟活跃之态、花卉芳艳之色。作《牡丹图》，光色艳发，妙穷毫厘。仔细观赏并可确信所画的是中午的牡丹，原来画面中的猫眼有“竖线”可见。又如五代画家黄筌写花卉翎毛因工细逼真，呼之欲出，而被苍鹰视为真物而袭之，此见于《圣朝名画评》 ：“广政中昶命筌与其子居农于八卦殿画四时山水及诸禽鸟花卉等，至为精备。其年冬昶将出猎，因按鹰犬，其间一鹰， 奋举臂者不能制，遂纵之，直入殿搏其所画翎羽。”
工笔画在唐代已盛行起来。所以能取得卓越的艺术成就的原因，一方面绘画技法日臻成熟，另一方面也取决于绘画的材料改进。初唐时期因绢料的改善而对工笔画的发展起到了一定的推动作用，据米芾的《画史》所载：“古画至唐初皆生绢，至吴生、周、韩斡，后来皆以热汤半熟，入粉捶如银板，故作人物，精彩入笔。”中国的工笔画历史悠久，从战国到两宋，工笔画的创作从幼稚走向了成熟。工笔画使用“尽其精微”的手段，通过“取神得形，以线立形，以形达意”获取神态与形体的完美统一。在工笔画中，无论是人物画，还是花鸟画，都是力求于形似，“形”在工笔画中占有重要的地位。与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的都是现实生活，这些作品不仅具有很强的描写性，而且富有诗意。明末以后，随着西洋绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。
写意画
写意画是用简练的笔法描绘景物。写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。写意画又分小写意与大写意。写意画是融诗、书画、印为一体的艺术形式。扬州八怪之一的李鱓，喜在画上作题跋 ，长长短短，错落有致，使画面更加充实，也使气韵更加酣畅。“画不足而题足之，画无声而诗声之，互相为用”（葛金《爱日吟庐书画录》），既反映了李绘画的实际，也体现了写意画的基本特点。写意画是在长期的艺术实践中逐步形成的，其中文人参与绘画，对写意画的形成和发展起了积极的作用。相传唐代王维因其诗、画俱佳，故后人称他的画为画中有诗，诗中有画，他一变勾斫之法，创造了水墨淡，笔意清润的破墨山水。董其昌尊他为“文人画”之祖。五代徐熙先用墨色写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体"落墨法"。
之后宋代文同兴"四君子"画风，明代林良开“院体”写意之新格，明代沈周善用浓墨浅色，陈白阳重写实的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韵。经过长期的艺术实践，写意画代已进入全盛时期。经八大、石涛、李鱓、吴昌硕等发扬光大，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。 写意画主张神似。董其昌有论：“画山水唯写意水墨最妙。何也？形质毕肖，则无气韵；彩色异具，则无笔法。”明代徐渭题画诗也谈到：“不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。” 写意画注重用墨。如徐渭画墨牡丹，一反勾染烘托的表现手法，以拨墨法写之。元代吴镇论画有云：“墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。尝观陈简斋墨梅诗云：“意足不求颜色似，前身相马九方皋。此真知画者也。”
青绿山水画
青绿山水是具有独特风格的山水型，在古代绘画艺术上占有重要地位，这种画以青绿颜色为主，用笔工整，细笔重彩，色彩浓烈，富有生气。在勾线内用石青石绿着色。色彩浓烈的叫大青绿山水，彩色浅淡些的叫小青绿山水，有用金彩勾勒山石纹理的，显得画面富丽堂皇，这种叫金碧山水。
水墨山水画
水墨山水是唐代大诗人王维奠定的基础，不用色彩，以墨的浓淡、干湿，表现峰峦山石景色。王维属杰出的诗人，又是山水画家。他常把景色写成诗，又把诗画成画，后人说他的诗中有画，画中有诗。到五代水墨画又有了飞跃，开始用皴法表现效果，使山石更加雄伟壮丽。到明代徐渭的泼墨大写意在水墨画上发展了水墨的技巧把墨洒在纸上，几笔画就做到了挥洒自如。他的画法对清代的石涛、朱耷（八大山人）影响很大。清代的郑板桥就是受徐渭的影响。
白描画
中国画中完全用线条来表现物象的称为“白描”。白描有单勾和复勾两种。用线一次画成的叫单勾。单勾有用一色墨勾成的，也有根据不同对象用浓淡两种墨勾成的，例如花用淡墨勾，叶用浓墨勾。复勾是先用淡墨完全勾好，然后根据具体情况决定复勾一部分或全部。复勾的线不能依原路的线刻板地重叠地勾一道。复勾的目的是加重质感和浓淡的变化，使物象显得更有神采。白描是用线条、用墨线浓淡、粗细、虚实、轻重、刚柔、曲直的表现技法。宋代李公麟，发挥了古代传统绘画线描作用，创造了白描技法。元代钱选、明代陈洪绶白描画都很成功。
指画
指画又称指头画，指画至今已有300多年的历史，是中国传统绘
史前壁画
画一个旁支。指头画，一般不用或极少用毛笔。史书上记载得比较明确的创始人是清初康熙年间的高其佩。
界画
在画的一部分或大部分，用直尺画墨线组成
史前壁画
的画。主要表现庄严雄伟的建筑物，如宫殿，庙宇、楼阁、亭台等。五代时卫贤、元代郭忠恕达到了高峰。清代袁江、袁跃都是画界画的。
内画
内画，是我国一种特有的传统工艺，它的产生起源于画鼻烟壶。内画的画
史前壁画
法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。内画艺术分为京、冀、鲁、粤四大流派，其中尤以冀派内画水平最高、规模最大、发展最快、影响最大，不久前已入选国家非物质文化遗产保护名录，冀派内画的发源地——河北衡水，还被文化部命名为“中国内画之乡”。
涂鸦手绘，也叫手工绘画，或者涂鸦。在中国应该算是近些年新起的一行，大概2000年左右吧，如手绘鞋，手绘T恤，人形抱枕，手绘钱包等，都是主要的手绘对象。手绘即在原纯色物品基础上，根据产品的款式、面料以及顾客的爱好，画师在鞋面上用专门的手绘颜料绘画出精美、个性的画面，在不影响产品使用性的基础上，更增添其可观性．如一双鞋子的画面，可以是漫画卡通，真人素描，亦可以是风景、图案或装饰纹样；可以是故事片段配上文字，亦可以是顾客自己的所爱加真情告白只要是可以绘画的，基本都能在鞋面上呈现出来简单的说，鞋面上有手工绘画画面的鞋子就称为手绘鞋。因为其手工性，比印刷品的工业机械性更具有欣赏价值；因为其绘画性，比工业设计以实用为先更具有艺术价值。它借鉴了印刷品，但更多的灵感来自于画家，它以工业设计并生产好的产品为载体，但并不为其左右，绘影手绘设计师可以尽情发挥。手绘鞋，因为是鞋，是商品，必然具有商品属性，但是手绘鞋的价值又具有双重性：一是鞋的价值；二是手绘的价值。因此，它的价格，就不能只用鞋子的价格来比较，还要考虑到手绘的价值。手绘鞋因其能够充展现年轻人的个性和对艺术的追求，并极大满足了现代人DIY的心理，又是一种新奇特的产品，从产生以来一直受到时尚年青人的追捧，在欧美、日韩、台湾等地刮起了“涂鸦文化”的旋风，手绘品开始成为时代的新宠，并开始在中国的大型商场、手绘批发公司、专卖店里面出现。
素描
素描，简而言之就是单色画。却又不尽然，素描过程是同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。当今美术院校各专业都把它作为基础课，虽然各专业的侧重点不同，油画重体积、调子，国画重线条，版画、设计重结构等；但素描的共性是差不多的。同时，素描作为独立的艺术种类，自有其独特的艺术价值。

原文：一张．．．的照片

译文：aphotoof．．．．．．

重点词汇：photo

英［‘fəʊtəʊ］

n．照片

短语

photogallery库；相册；精彩；照片库

WEDDINGPHOTO婚纱摄影；基地主题；婚纱馆

扩展资料：

重点词义辨析：photon (名词)

photo，drawing，painting，picture，portrait

这组词的共同意思是“画”。其区别是：

1、drawing指“素描”或“工程图纸”。例如:

Thisisadrawinginpencil．这是一幅铅笔素描。

Weproducedaworkingdrawing．我们绘制了一幅施工图。

2、painting多指油画。例如:

Therearemanypaintingsintheroom．这间屋子里有很多油画。

3、在表示水彩画时,用drawing或painting均可。例如:

Thisisawater－colourdrawing〔painting〕．这是一幅水彩画。

4、photo指“照片”。例如:

Ihavesomephotostakeninmyhometown．我有一些在家乡拍的照片。

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