出版社一般根据长远和近期的选题规划以及当前和潜在的市场需求提出选题，物色合适的著（译）者，并与著（译）者签订图书出版合同。著（译）者根据与出版社协商同意的内容及图书出版合同中的约定进行编写或翻译工作。
除出版社主动向著（译）者组稿外，著（译）者也可以主动与出版社联系，自荐欲著（译）书稿或自投已写（译）好的稿件。我们希望著（译）者先与出版社联系并列选后再进行写作。著（译）者在联系信件中，除将本人简历和主要情况做一简要介绍外，应讲明撰写或翻译该著作的价值和意义，该著作的主要内容和特色，并提出简要的编写提纲，以供出版社研究是否列选。对于翻译著作，除介绍翻译价值、原著作主要内容和特点外，还应提供该书目录中译文和版权页复印件。对于著（译）者的自投稿，出版社根据稿件质量和读者需求情况，决定是否采用。
著（译）者完成初稿交出版社后，出版社要对稿件进行全面审读。必要时，出版社将请相关专家或召开审稿会审查书稿。翻译稿一般要请人校订，必要时还要看试译样稿。决定采用的书稿，即由出版社进行编辑加工及复审和终审，这一阶段会对书稿提出需要修改、补充或删减等意见，著（译）者应予以配合，认真修改。著（译）者如有不同意见也可以提出，经协商一致后定稿。如果稿件不符合出版要求，并经反复修改后仍达不到要求，出版社可按合同约定退稿。
完成编辑审稿和加工工作的书稿经装帧设计后发送排版，在按规定进行校对后，经印刷、装订，正式出版。为了保证书稿质量，除需要出版社内各环节密切配合外，特别希望著（译）者交付符合“齐、清、定”要求的稿件并在著（译）和出版过程中与出版社很好地合作。
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在中国，一本书的问世要经过这样几个步骤：
1.选题
编辑通过市场调研提出出版内容选题，经过责任编辑、编辑室主任、出版社社长和总编辑（或出版社选题论证委员会）的三级论证，最终由出版社选题审核委员会审批通过，报省一级新闻出版局批准。
2.选题报批
省一级新闻出版局依据国家《出版管理条例》等法律、法规、政策对出版图书选题内容进行审批，确保有关选题符合国家有关规定，并报国家新闻出版总署备案。
根据《出版管理条例》和《图书、期刊、音像制品、电子出版物重大选题备案办法》（新闻出版署[1997] 860 号）等法律法规，对于涉及国家安全、社会安定等方面的内容，对国家的政治、经济、文化、军事等会产生较大影响的选题，实行重大选题备案制度，即出版单位须向新闻出版总署专题申报备案，同意后方可出版。
3.组稿、编辑
选题经批准后，出版业务进入编辑环节。
编辑组织稿件主要有以下几种形式：直接与作者签约组织稿件，或委托作者（多为知名学者）代理组织稿件。每一种图书，都与作者签订出版合同，约定和保护作者和出版社双方的合作条件和权利。出版社拥有的是著作权人（作者）许可使用的专有出版权。出版合同通常包括著作权人允许出版社对其著作的使用范围、许可使用年限、出版社向作者支付报酬标准、付酬方式等。合同期限一般在3-10年。
出版社向作者支付稿酬一般有三种方式：基本稿酬加印数稿酬、版税和一次性付酬。基本稿酬加印数稿酬，指出版者按作品的字数，以千字为单位向著作权人支付一定报酬（即基本稿酬），再根据图书的印数，以千册为单位按基本稿酬的一定比例向著作权人支付报酬（即印数稿酬）；作品重印时只付印数稿酬，不再付基本稿酬。版税，指出版者以图书定价×发行数×版税率的方式向著作权人付酬；版税率一般是3%－10%。一次性付酬，指出版者按作品的质量、篇幅、经济价值等情况计算一个确定现金数额的报酬，并一次性向著作权人付清。
4.审稿、申报书号
审稿：
审稿是编辑工作的重要组成部分。审稿实行三审制，对稿件进行三个级别的审查，即责编初审、编辑室主任复审和社长（总编辑）终审。三审后的书稿按齐、清、定的原则，发送出版社的出版生产部门，进入生产流程。
申报书号：
出版社总编室负责向出版业务部申请分配书号、条码并向新闻出版总署信息中心申请CIP（Cataloguing in Publication）数据，即图书在版编目数据，规定了图书在版编目数据的内容、选取规则及印刷格式，包括书名、作者、出版社、版本、印张等。
每年12月，出版社将有关书号申请的各项材料，经由省新闻出版局报送新闻出版总署，新闻出版总署核定下一年度发给公司的书号数量。新闻出版总署将书号按核定数量经由省新闻出版局发给出版社。出版社按照所得书号数量，填写ISBN条码制作申请单，报送国家图书条码中心制作相应条码。出版社也可根据需要，定期、不定期或随时向省新闻出版局和国家新闻出版总署申请所需数量的书号。
在书号获批后，编辑人员填写《CIP数据申请表》，再由出版社总编室将《CIP数据申请表》报送新闻出版总署信息中心。新闻出版总署信息中心将编制完毕的CIP数据返给出版社，以备印载在图书上，做为版权保护的重要手段。
5.确定印数和定价
图书定价和印数由各出版社营销部连同责任编辑根据市场调研情况分析确定。定价主要参考因素为成本、图书印数、同类书市场价格及该书目标读者群的消费能力。印刷数量的确定主要参考成本、定价及对该书销量的预测，一般每版图书的印刷数量划分为四种情况：3,000册至4,000册；5,000册至8,000册；8,000册至10,000册；或10,000册以上。一般来说，出版社主要采用较少印数、多次印刷策略，以降低出版风险、减少资金占用，加快周转。
6.排版和印刷
有关书稿经社长（或总编辑）终审签发后，由相关出版社之业务部门完成封面设计和版式设计，并负责安排印刷商排版、印刷。出版社将达到印制标准的书稿发送到印刷厂，进行排版及制作清样，图书清样完成后，送出版社出版部进行校对，出版社将校对完的清样退回印刷厂，印刷厂按出版社所做的改动进行改版，这样反复三次，行业内称为“三校”，最后经该书责任核对、责任编辑和出版部主任审定签字，交社长（或总编辑）签批，返回印刷企业，进行印制、装订。
7.发行和销售
各出版社出版的图书一般采用自办发行、独立发行、参加图书订货会等方式销售。
自办发行是由出版社与零售书店签订协议，一般由出版社将成品书从印刷厂发运到各书店。
独立发行是由出版社根据资质情况选择发行商，并与发行商（主要为图书批发商）订立批发协议，一般由出版社将成品书从印刷厂运送到批发商的仓库，批发商将书发送至其下游客户，批发商在约定期限内与出版社结清书款。独立发行方式的优势在于可以充分利于发行商广泛的发行渠道和较低的发行成本，且图书销售回款有较好的保证。独立发行又可以分为包销和经销，包销主要以学生课本和畅销书为主，一般不允许退货；经销则是以一般图书为主，通常允许退货。
出版社每年定期参加的主要图书订货活动有：全国每年一度最大规模的北京图书订货会、书市，每两年一次的全国规模的北京国际图书博览会。此外，亦参加各类专业出版社订货会、民营书店联合举办的图书订货会以及各种图书团体采购活动等。近年来，还可以参加每年一度的国际最大图书展览——“法兰克褔国际图书博览会”。
出版社营销部及责任编辑负责策划、参与图书市场推广活动，主要形式有参加全国各大定期新书订货活动，在全国各种新书目录及《中国图书商报》上发布新书预告，组织作者到零售书店举办讲座、签名售书等新书推广活动，组织书评家发布书评等。
1、要有高的思想境界2、要多读书，多熟悉生活，提高形象思维能力
3、要会选材，就是要选择故事的内核（永恒的主题）：生、死、恋、真、善、美。
其一，选材要有典型性、意义重大
其二，地点、人物相对集中，以免战线拉得过长
其三、具有对抗性，即有矛盾冲突
其四、最好能有一个好的结尾或主题
其五、克服惰性，抓住眼前
4、结构要合理，即故事走向明确、人物关系复杂、情节高潮迭起、主题思想深刻。其规律是：建置故事，设置矛盾，解决矛盾，再设置矛盾，直到结局。亦即三分钟一个热点（引起观众注意的情节点），五分钟一个反差（意外的事件），十分钟一个高潮（较大的冲突），三场大戏一个爆炸（全剧最震憾人心的爆发点，“绝活儿”。引人入胜，将观众的情绪推到极致，却又意犹未尽）。
电影剧本是简单的故事，两三个（主角）人物，曲折的情节，尖锐的矛盾，深刻的主题思想。
一般最好设置三条情节线，并让其拧在一起，结构出故事的大框架。然后再根据人物的性格，结构出他们的行动线（命运）。
5、没有矛盾就没有戏剧，要善于设置矛盾，然后解决矛盾。因此要善于制造矛盾，自相矛盾，即以子之矛，攻子之盾。一个矛盾解决了，新的矛盾又出现了。
设置矛盾要注意合理性，解决矛盾要注意必然性。
6、要塑造人物，展示人物性格的差异，首先要选择突发事件，通过各人不同的反应表现其性格。写一个好人，要抓住其多面性深入开掘，即写出弱点或不足，就能抓住性格特点。并将其语言和行动多次（三次以上）重复推到极致，就能给观众造成强烈的冲击，留下深刻的印象，从而使其性格鲜明。
7、电影是用画面讲述的故事，电影语言就是镜头画面。凡是能用画面讲清楚的，决不让人物多说。电影中对白越少，画面感就越强，视觉的冲击力就越大。要记住：剧本中所写的每句话，必须看得见听得见。电影语言不是静止的，而是运动的，即画面中的人物，尽可能让他动起来，避免呆板单调。
8、关于热点。热点是情节点，观众观注的焦点。在剧本中，热点可能是一句话，一个悬念或一个细节，它是情节的转折点，能引发新的情节，推动剧情的发展。一个剧本能否引人入胜，取决于热点的设置。热点产生于剧本故事的大背景中，必须合理巧妙，水到渠成，不能无中生有。统观全剧，一般需要大约二十个左右的热点。
9、关于反差。反差即意外，是山穷水尽疑无路，柳暗花明又一村。观众拒绝平庸，必须善于不断制造反差，使故事情节扑朔迷离，迭宕起伏，峰回路转，一唱三叹。反差分大反差和小反差，大反差是事件的逆转，使剧情峰回路转；小反差是人物性格的反衬，为人物锦上添花。反差是大热点，热点是小反差。两者都与人物或事件矛盾。运用反差必须既出人意料，又合情合理。用反差反衬人物性格，可以是小物件小细节，也可以是环境或道具（心理反差的外化）。
10、关于高潮。高潮是剧情推向极致的迸发，是人物内心情感的爆炸。十分钟的高潮是次高潮，它是动力，令人目不睱接，期待矛盾的解决；三场大戏的爆炸是主高潮，是令人叹为观止回味无穷的结果。所有的热点、反差、次高潮都是为主高潮服务的，层层铺垫，步步推进，最后达到情感或事件的爆炸，强烈地冲击着观众的心灵。无论事件与人物，高潮是最后的爆发点（总爆发）。要使高潮打动人心，编剧必须说真话，故事必须真实可信。
剧本创作要点
一、新的剧作模式：
从人际关系危机和人物心灵深处的危机中寻找新的情节模式，即写任何不同的个体之间都最终能够突破障碍结成亲密关系的故事。
为此，要寻找人物的差距，令其开始就发生冲突，然后冲突渐渐缓解，直到最后竟演化成亲情、爱情或友情。其情节线实际就是两个人物之间关系渐近的历史。
具体方法是：这两个过去毫不相干的人由于偶然的机缘相遇，因为存在差异，他们的关系常常开始于相互的反感甚至对立，然后利用一些有趣的生活细节逐渐化解两人的隔膜，最终将他们之间的关系升华作动人的亲密感情或爱情。
二、剧作冲突
传统式“冲突律”结构原则：
1、全剧必须围绕着一个贯穿冲突展开情节。
2、结构分为“开端”、“中段”、“结尾”三段。“开端”用来建立冲突，即让冲突的双方第一次交火；“中段”用来展开冲突，让冲突的双方进行多个回合的较量，这些较量要一次比一次激烈，直到推向最后的高潮，在高潮部分展开全剧的最后一次决定鹿死谁手、谁胜谁负的总较量；“结尾”的段落用来向观众交待冲突的结局，即人物最终的命运是什么样的，他们是死了还是活了。
3、基本要求是，冲突展开要早，开门见宝；冲突发展要绕，出人意料；冲突高潮要饱，扣人心窍；结束冲突要巧，别没完没了。
4、冲突每一次较量就是一个情节段落（在电影剧本中就称作“一场戏”），而每一个段落的内部又有着各自的启、承、转、合。
总的戏剧的原则是：利用冲突凝聚事物的空间并将使事物产生时间上的激变。
现代“调和律”：随着市场经济对我国人际关系的冲击，现实生活中人们的感情交流也越来越复杂和微妙。若想真实地再现生活中人们日益复杂的人际关系现实，就必须找到更富有创造性的情感处理方式。
为此，要从生活中人与人交往的真实状态出发，依据于散文传统，不表现直观式的直接冲突，力图把内容归结为一个有限的冲突——抵触，从而真实自然地展示生活的极其深刻的丰富性以及所发生的事件的意义。
三、人物对话
在电视剧中，由于视野和制作经费的限制，不可能象电影那样追求视觉的“奇观”。以中近景别为主的拍摄方法决定了电视剧依靠对话来推进剧情、塑造人物的特点。所以，剧本中人物对话的字数大多会超出描写情景或动作表情的字数。一个人如果不会写作对话，就连半个剧作家也当不成！尤其是在电视剧走红的今天，对话写作的功力更显得突出重要。
人物对话必须真实自然，符合人物的身份、性格。而虚假的对话是不管人物的年纪是什么，也不论他的职业和性格是什么，一概说出很深沉的话来。他们出口成章，甚至能即兴创造出格言来。
四、类型人物：
在商业样式的影片中，我们根本无法做到也根本不必追求人物性格的复杂性，而编剧要下的功夫是讲好一个具有惊心动魄场面和让人透不过气来的故事。剧作中的人物可分为三种类型：第一种是概念化人物，第二种便是类型化人物，这种人物都可以用某些突出的特征或一组密切相关的特征来概括，第三种为圆整人物（个性化人物）。中国人的叙事传统中更突出的是对类型人物的描写。而中国人的审美习惯也相当地固定在类型人物上。类型人物存在的原因如下：①人物性格特征有限并且鲜明，这样就易于观众领会和把握。②这样的人物容易创造，更容易编写。③闹剧和情节剧看重的是情节的戏剧性，这样的剧本哪怕它缺乏人物的个性化，观众仍然对同样的故事百看不厌。每一个大红大紫的电视连续剧中的人物其实都走的是类型人物的路数，如果一个影视编剧不会将人物作类型化处理，就很难满足大众胃口，写出百姓喜爱的作品来。所以学会写类型人物应该是编剧的影视基本功。
在电影剧作中，毕竟叙事的时间有限，在两个小时的甚至更短的篇幅里，你要想将所有的剧中人物的性格都作圆整化的处理是根本不可能的。同时，那样也是根本就没有必要的。因为没有主次就意味着喧宾夺主。这时，你又不能将次要角色处理得个性全无，那样的做法观众也不会接受。最好的办法就是抓住这些次要角色的某一个突出的性格特征作夸张处理。
中国艺术最大的特点便是夸张，表现在人物塑造方面便是人物性格的夸张。这种夸张的方法可以总结为强化人物性格中的某一特征。这样的方法能取得良好的剧场性，易于为更多的普通观众所接受。将剧中人物作类型化处理是将生活中模糊的和多成份的现实性格的综合成份里选出一个或两个特征作夸张处理。首先必须决定选择人物性格的特征是大家所不熟悉的，而不是已经看烦了的旧面孔。类型人物应该是一种真正的典型，更具有社会生活的普遍性和性格的鲜明性。是一次具有个性的创造，是对生活深切感悟的结果。
五、通情之道：
艺术就是将人类情感呈现出来供认观赏，把人类情感转变为可见或可听的形式的一种符号手段，从而使人类实现了对其内在生命的表达与交流。审美快感产生于人的本质力量的对象化。在电影剧作中，具有戏剧性的情节便是作者情感的一次物化，一个载体。情感是情节的灵魂！电影作者的情感表述并非是通过演员来完成的，换句话说，电影中的人物只是剧作者完成情感传递的载体之一，也是情感传递的主体因素，对剧中人物的情感的描写和展现便成为电影作者和观众之间情感传递是否能够成功的关键。剧本所以成为剧本，是因为它能在观众中创造感情反应。这个反应或者由剧中人物的感情所引起，或者由作者对于剧中人的感情所引起。
在影片中，人物之间情感表达的方式受三种因素的制约：1、性格。2、人物关系。3、规定情境。违反这三个因素的任何一点点失误都会首先在观众的直觉里引起不自在的感觉，从而失去对人物情感的信任度。在现实生活中，人们的情感总会有一个努力抑止的过程，而当情感经过抑制却实在难以抑制而表露出来的时候才是动人的。相反，如果一种激情是不用抑制就轻易发出的，那它也就是廉价的或幼稚的。因为只有儿童的情感才轻易地写在脸上。真正震撼人的不是痛苦到达顶点或超过顶点的哭嚎，而是到达顶点之前的感情表现。如果情感到了顶点也就成了强弩之末，不会比现在更有震撼力。寓哭于笑这是情感表达的普遍原则
就传达情感的结构方面而言，与其说电影语言接近文字语言，不如说它更接近于音乐语言。因为这两种艺术同样以节奏为武器来表现和传达情感。电影主要是节奏，它在段落中呼吸。节奏是电影语言的本质和生命。人物仅仅是传达情感的手段之一部分。在电影艺术中，决定节奏的因素是哪些？从画面内部而言，有光影、构图、色彩、物体的运动、演员的动作、有声源的音乐、噪声、对话、机位、景别、摄影机的运动等等；就画面外部而言，蒙太奇、剪接的各种手段（切、淡出淡入、叠化、划……等等）、伴奏音乐、声画对位、旁白等等。也就是说，在电影艺术中，所有的视听元素首先都是节奏的因素，它们就象音乐的音符一样在剧作家的笔下构筑起情感的也是情节的旋律。这时，情节是情感的外在形式，而情感则是情节的内在生命。说到底，剧作家就好象是交响乐的作曲家，他不仅有创作旋律——讲述故事——的任务，还有将所有的电影元素安排出相互配合的情绪节奏的总谱的任务。剧作家的责任是不但要讲好一个故事，而是用一种富有节奏感和旋律感的语气来讲故事。剧作者应该寻找一种将内心情感“辐射到身体以外”、“散发到周围环境中”的方式。
总之，电影艺术是剧作家与观众进行情感交流的方式，而剧中的人物是情感的载体之一。编剧的责任不仅要通过人物传达感情，还要通过画面诸视听元素构成情感的节奏，与人物一起完成传递情感的任务。
对白十忌
一、过于直截了当
有些对白就是照本宣科，直白得令人尴尬。听起来也有娇揉造作之感。
例如：
珍妮走进房间，卡洛斯冲她微笑。
卡洛斯 ：珍妮弗，我很高兴看到你。我是如此爱你。为了见到你，我已经等待多时了。
这样的对白的确令人尴尬，毫无婉约精致可言。如果表现为他压抑太久，突然一时语塞，也许就更具效果。或者他先将她一把抓过，一言不发，过一会儿再说。
卡洛斯：你知道吗？一看到你我就控制不住自己。
然后二人拥抱。
当然，行胜于言。但如果对白能为人物的行为增添有力的补充，那真得上锦上添花。珍妮弗懂得他的意思，观众们也照样能懂。轻描淡写、出乎意料的回答以及对于人物潜意识和内心世界的表述也可以营造出这种婉约之美。
二、过于零碎
这样的对白显得磕磕绊绊，一人一句，一句一两个词，如此回合往复，拖拖拉拉。纵观整个剧本，更像一部品特派风格的舞台剧，而不是地道的电影作品。下面的例子就是过于零碎的典型。
德鲁：我饿了。
凯特：我也是。
德鲁：出去吃饭吧。
德鲁：去熟食店如何？
凯特：好。
解决这个问题的办法就是为对白提供一个真实可信的动机。人物在言谈时了需要动机和意图结合其既定的思维和行为样式。举例而言，在早先的情节中，德鲁正在检查冰箱里的东西，然后就说：
德鲁：嗨，这里面没东西啦。出去吃吗？
凯特：嗯，我都快饿昏了。
德鲁：熟食店吃起来如何？
凯特：那儿的鸡汤味道棒极了。
接着二人冲出房门。
总之，对白是在每时每刻建构真实感的基础。它应该能发动人物身上的最具效果的行为举止和反应。
三、过于重复
如果一个人用很多种方式反复自己的话，这样的对白就是过于重复。人物口中的赘余的信息和重复性的话语如同鸡肋。
四、过于冗长
冗长的对白听起来就像是鸿篇大论或学术答辩。这不仅令人物行为停滞不前，而且还经常有罗嗦说教之嫌。首先看看下面这段对白：
五、过于雷同
有时候每人个人物的话听起来都大同小异。他们的对话也彼此雷同。照此下去，人物的个性必然丧失殆尽。比如下面这段对话，你能区分这两个对话者吗？
本：嘿，你赌赛车了吗？
六、过于呆板
这样的对白听起来就好像摘自历史书、诗歌、报纸或者语法书，但就不像人嘴里说出来的。在阅读对白的时候，你应能从中感受到人物的心态和动作。如果言词过于呆板迂腐，你就应该即兴表演出人物的行为，从而体味出自发性更强的感受。比如，当你伏于书案独自工作的时候，你就可以想象某个角色身处不同矛盾冲突中的情景。之后，你也许就会讶异于自己竟能把这个角色了解得如此透彻。
七、过于说教
这个毛病是同“太过直接”“冗长”“长篇大论”和“过于呆板联系起来。人物总是显得郑重其事、头头是道。他或她已经无法称之为一个立体的人，完全退化成编剧意识思想的代言人。下面这段话就有说教意味过重的嫌疑：
麦克：你知道罪犯一旦逃跑将会怎样？他们要么待在监狱，要么就会对社会的每个角落产生威胁。只要我们拥有更加有力的立法者和法律，就不会有这样的事情发生。
一个人要义正辞严，也不必如此振振有词。如果麦克咆哮起来，也绝对达意：
麦克：一定要把这个混蛋关起来！
对白的真正内涵与情节的铺陈展开息息相关，并且应和贯穿整个故事的人物动机和行为保持统一。
八、过于内省
这个问题一般集中出现在某人自言自语的人物身上。比如下面这种情况屡见不鲜：
米歇尔：（自言自语）哦，现在我真希望能和他在一起。
不少编剧肯定已经战战兢兢了：一个人是不是总要自言自语呢？显然并不常见。即便出现这样的情况，说出的话也不可能是完整的、有逻辑的句子。此时逻辑是与情绪对立的。戏剧中常见的莎士比亚似的独白与影视作品的表达还是有一定距离的。
如果人物能在独处的时候多一些行为动作，看起来就会更加合理可信。也许，米歇尔可以先瞥一眼照片，然后闭上眼睛，努力让自己平静下来。再次强调，行胜于言。
九、过于缺乏连贯性
这意味着一个言行相抵，说着一些不符合自己个性的话。有些情况是由于故事中缺乏适当的过渡。下面这个例子中人物对白和态度的转向快得令人难以置信。
第三节：戏剧与人生是有差别的，掌握差别处，做文章正如「滚雪球」
戏剧取材自人生，但戏剧与人生毕竟是有所区别的，能掌握其中的区别，是剧作家的第一项本领。
戏剧有时「高」于人生，有时「低」于人生，掌握戏剧什么时候高于人生，什么时候戏剧又低于人生，就能充分掌握「文章」的难易。
一般而言，戏剧写作被严格限制在少数的场景、集中的时间、真实的人物与文学的语言，此时戏剧的形式是「高」于人生的，它的创作难度就高。
相反的，若戏剧的写作没什么严格的限制，反而是场景越多越好，时间﹙戏剧时间﹚可以中断，可以中间经过许多年，人物倾向夸张、类型化或功能性，语言低调或能交代情节就够了，则此时的戏剧形式是「低」于人生的，创作起来难度并不高，所谓「滚雪球」的写戏就是指这种情形。
第四节：剧本写作的程序
剧本写作的程序包括取材，编写大纲，调整大纲，逐场填入人物、对白、场景及动作等说明（或舞台指示）。难就难在如何选择有潜力的题材，以及最佳的表现形式（同样一种媒体就有许多不同的风格，更不用说戏剧还可以诉诸不同的媒体来表现﹚。好在这两方面都是可以透过后天努力来充实的，要做到这点，多看、多阅读、多观摩、多想为什么、勤做笔记，是最有效的方法。
附：做剧作家需要哪些能力
第一项：「感同身受」的能力
过去听过有人为了写特种营业者的生涯，便真的下海去执业、体验这个行业的心情与遭遇。这个举动是否绝对有必要，似乎是见仁见智的。
剧作家最大的法宝之一就是具有「感同身受」的能力。「感同身受」让一个创作者不必亲身经历与故事情节完全相同的情境与遭遇，也能准确地描绘出合适的情境气氛与人物感受。
同样是面对一篇人物报导或自述，有的人能深刻体会到当事人的感受，有的人主观上排斥痛苦的经验，有的则没有感觉。通常剧作者是当中感受最强烈的人，同时他还比一般人多一份想要用自己的方式，把故事说出来的强烈企图心。
第二项：具体化的能力与想象力
剧作家的任务就是要能将简单的故事叙述、变化成具体的人物在特定的时间、地点、所发生的事件及其经过。换句话说，剧作者平时对周遭生活的情境与人物的感情状态，就必须具有比一般人更敏锐的感受力与观察力。
通常故事的叙述口吻多半是单一的，不是用第一人称就是用第三人称来叙事。可是在最大多数的戏剧风格里，剧中人物永远是用第一人称来说话的﹙某些传统戏曲的语言风格会用到第三人称叙事口吻的情形﹚。剧作者或多或少必须能仿真每个剧中人物的心理、性格与情绪状况，这样才能「说一人像一人」也就是「代剧中人说话」。
第三项：很强的组织能力
戏剧写作牵涉到「搬演」或「呈现」的因素，也就是必须提出如何在观众面前把故事「演」出来的解决方案。
剧作家不仅必须熟习各种媒体与剧场风格的特性，从其中找出最适合的方式，把故事在观众面前「演」出来。同时就是在私下用笔作业的时候，也能有条不紊地将脑海里的「剧场」上或「镜头」前所发生的事，原原本本地「搬」到稿纸或计算机屏幕上。
选择合适的「演出」形式的考量，可以用想要的「戏剧与观众的距离」做思考的起点；而无论是采用哪种剧场风格或媒体，举凡人物、化妆、服装设计、语言、布景设计、灯光、音效、人物的走位、画面的安排等各种因素，都需要相互搭配彼此协调，以营造出想要的整体的「演出风格」与独特的气氛。虽然这些牵涉到其它艺术家后续加工的因素，但合格的剧作家所提出的最初的、做为讨论基础的纲要式的解决「蓝图」，是不能彼此冲突或流于拼凑松懈的。
通常剧作家在写戏时，都是先将媒体或场景布置等环境及形式的因素确定下来，接着他会决定每场戏开场时的故事情境，然后让合适的人物在合适的时间出现说适当的话（有时也加上音效灯光变化的穿插），他会像是交响乐的指挥家那样，同时处理节奏与气氛的冷热调剂等，这也是剧作家工作时最大的乐趣之一。这意味剧作家需要很强的组织力与整体感的直觉。
剧本创作的三大忌
写剧本变写小说
剧本写作和小说写作是两样完全不同的事，要知道写剧本的目的是要用文字去表达一连串的画面，所以你要让看剧本的人见到文字而又能够即时联想到一幅图画，将他们带到动画的世界里。小说就不同，他除了写出画面外，更包括抒情句子，修辞手法和角色内心世界的描述。这些在剧本里是不应有的。举一个简单的例子，在小说里有这样的句子：
“今天会考放榜，同学们都很紧张地等待结果，小明别过父母后，便去学校领取成绩通知书。老师派发成绩单，小明心里想：如果这次不合格就不好了。
他十分担心，害怕考试失败后不知如何面对家人……”
试想，如果将上面的句子写在剧本里，你叫演员看了怎样用动作去表达。
如果要用剧本去表达同样的意思，就只有写成如下：
在课室里面，学生都坐在座位上，脸上带著紧张的表情，看著站在外面的老师。老师手上拿著一叠成绩通知书，她看了看面头的一张，叫道：“陈大雄﹗”大雄立刻走出去领取成绩单。小明在课室的一角，两只手不停地搓来搓去。他看出课室外面，画面渐渐返回当日早上时的情景。小明的父母一早就坐在大厅上，小明穿好校服，准备出门，看了看父亲，又看了看母亲，见到他们严肃的脸孔，不知该说些什么。小明的父亲说：“会合格吗？”小明说：“会……会的。”
“称小明﹗”老师宏亮的声音把小明从回忆中带回现实。老师手上拿著小明的成绩单看著他，小明呆了一会，才快步走出去领取……
用说话去交待剧情
剧本里不宜有太多的对话(除非是剧情的需要)，否则整个故事会变得不连贯，缺乏动作，观众看起来就似听读剧本一样，好闷。要知道你现在要写的是电影语言，而不是文学语言。只适合于读而不适合于看的便不是好剧本。所以，一部优秀的电影剧本，对白越少，画面感就越强，冲击力就越大。
举一个简单的例子，比如你写一个人打电话，你最好不要让他坐在电话旁不动，只顾说话。如果剧情需要，可让他站起来，或拿著电话走几步，尽量避免画面的呆板和单调。
故事太多枝节
很多人写剧本都写得太多枝节，在枝节中有很多的角色，穿插了很多的场口，使故事变得复杂化，观众可能会看得不明白，不清楚作者想表达什么主题。试想如果在一幕电影中同时有十几个重要的角色，角色之间又有很多故事，你叫观众在短短时间里那能把每一个角色记得这么清楚。
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