怎么在电脑上画画要安装什么画画软件

对于手绘初学者来说，刚开始不知道如何选择电脑绘画工具

下面我就常用的软件介绍几款，帮助初学者更好的选择

第一个：Photoshop

做设计的都知道，人人必备做图工具之一，适合初学者。

适用绘画材料：常见的卡通插图、线描、场景原画、插画等。PS有些默认笔刷，一般初学者基本够用了。也有很多网络下载的笔刷可安装，有固定形状笔刷和非固定形状笔刷，一般我都用非固定形状笔刷，可随意画出自己想要的效果。

第二个：Rebelle

画水彩、水墨很不错的软件，可以模拟现实效果。

适用绘画材料：水彩画，中国风水墨画都不错的。内置功能虽然不多，但都很实用。各种纸张纹理效果，湿润干燥图层、重力流动方向等模拟真实的效果。软件常用功能为汉化，部分功能还是英文的，这时候考验你的英文水平了。

第三个：painter

这款软件各种参数配置有点复杂，个人感觉学起来不那么轻松。

适用绘画材料：一些厚涂的颜料，如油画，水粉，丙烯等。里面有个调色板模拟现实中的调色感觉，用着很不错。可以画出和实际很相似的自然效果，内置笔刷也很丰富，一般够用了。

第四个：sai

这是个轻量级的软件，适合初学者。

一、国画和水彩画的概念

（1）国画的概念。国画简称“国画”，主要是指中国传统的水墨画[以墨为主，不施彩或少量施彩]和彩墨画[也用墨，但施有重彩，包括基本不用墨的无骨画]。它是以水为媒介，用毛笔、墨和矿物颜料、植物颜料，在宣纸或绢上作画的一种绘画形式。“国画”一词，是为了区别于西洋画而出现的一个“绘画类别”概念。按照艺术手法划分，国画又可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔画用极其细腻的笔触描绘物象，用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，故称“工笔”。工者，工整之义也。写意是相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形、神，抒发作者情感。写意画要求画家具有高度的概括能力，创造以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，意到笔到。兼工带写则是综合运用工笔和写意这两种方法，有的偏工，有的偏写，不一而足。此外，还有一种无骨画。无骨画也称为没骨画。在国画中，画家在画物象的轮廓、叶脉时，一般是先用墨勾皴出来的，这种画法属于有骨画法，这里的所谓“骨”就是墨线。无骨画法就是不用墨线，直接用色彩造型的一种国画画法。在无骨画中，还有一种与水彩画极为近似的画种，我们称之为写真画。由于这种画法与水彩画十分相似，故需要单独研究其异同。在此后的讨论中，我们暂不将无骨画特别是写真画单列出来进行特别说明，以减少本文篇幅。从艺术的分科来看，国画还可分为人物、山水、花鸟三大画科，而国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

（2）水彩画的概念。水彩画起源于西方，是欧洲文艺复兴时期发展起来的。它也是以水为媒介，运用艳丽且多为透明的水彩颜料，在白纸[是一种“硬白纸”，如我们平常说的白报纸，一般不用国画专用的“软白纸”—-宣纸]上作画的一种绘画形式。在大概念上，我们可以这样认为：水彩画是以“彩”为原料，“水”为媒介[油画则是以油来调和颜料]，在专用的“硬白纸”上作画，且十分注重光影效果的一种色彩艳丽的绘画形式。

二、国画与水彩画在主要工具材料上的异同

（3）画纸。水彩画和国画都是以白纸为主要载体。国画使用的是宣纸和绢，宣纸又有生、熟之分，但都很柔软，可以说是“软纸”。国画的工具和材料的性能，也决定着国画的特色。特别是运用绢和纸作画，更容易发挥了笔墨情趣。宣纸的渗化特性，加之毛笔柔中有刚的特性，使得笔墨变化无穷。而水彩画则使用具有一定硬度的白纸，如法国的ARCHES水彩纸。水彩纸与宣纸和绢相比，可以说它是“硬纸”。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着水后纸面比较平整，纸纹也有粗细之分。

（4）墨与黑彩。在国画中，墨具有十分重要的作用，而且，还有“墨分五色”之说。而在水彩画中，只有黑色颜料。对于这种黑色颜料的使用，水彩画也不像国画那样，有那么多的讲究。

（5）画笔。水彩画和国画都以毛笔为主。只是由于历史原因，两种毛笔在外形上存在一些差别，但其本质上并无明显差别。国画用的毛笔和水彩画用的画笔，都需有一定d性和含水能力。在实际应用中，两种画笔也是可以互用的。比如国画中经常使用的狼毫笔、白云笔、山水笔等都可用来画水彩。

（6)砚和调色盘。调色盘是水彩画家和国画家都不可缺少的绘画工具。砚台是国画家不可离开的绘画工具之一，而水彩画家则根本不需要砚台，有几个调色盘就够了。

（7）颜料。从原料来源上看，水彩颜料和传统国画颜料是基本相同的，都是来源于动植物、矿物和化学合成[国画中的化学合成颜料是后来借用了水彩画颜料]，但也有诸多不同。

[7-1]国画使用的颜料有两在类：一类是矿物质的，如朱砂、赭石、石青、石绿、石黄、白粉、金粉、银粉等；另一类是植物质的，如花青、藤黄、胭脂、洋红等。由于国画所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，可耐风吹日晒，经久不变。如敦煌壁画以及汉墓壁画，至今仍保持着鲜艳的色彩。水彩颜料则有着容易褪色的弊端。水彩画作品经过一定的年月，总易于褪色，特别是在阳光和空气接触下，变化更快。这是因为水彩画使用了像玫瑰红、青莲、藤黄、草绿等易变的颜料。

[7-2]颜料的种类不同。水彩的种类要远远多于国画颜料，色阶丰富，色彩艳丽。常用的水彩画颜料有柠檬黄、中黄、土黄、朱红、土红、深红、玫瑰红、草绿、翠绿、群青、普蓝、熟褐、煤黑等。

[7-3]是两种颜料的在“硬白纸”上的晕散效果相差不大，即基本上都不晕散；但在宣纸上，国画颜料晕散效果极强，水彩颜料还是基本不晕散，好像是有一点儿“油性”。这是因为水彩颜料中含有少量的甘油。

[7-4]国画颜料所用的原料，要通过研、炼、沉、汰等制作过程，分出深、浅、精、粗，然后选用，但总体上来说颗粒较粗。水彩颜料虽然也有从动植物、矿物中提取的，但其颗粒较国画颜料细得多，用水溶解后晶莹细腻，把它一层层涂在白纸上，同样也有晶莹剔透的效果。水彩颜料经水调和后，较多的颜色是透明或半透明的，其中尤以普蓝、柠檬黄、翠绿、玫瑰红等色最为透明，其次是群青、桔黄、朱红等。而土红、土黄、煤黑、褐色则不很透明，但若多加水调和，降低其浓度，也可以出现透明效果。水彩颜料中的群青、赭石、土红等属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象。

(8)调和剂。国画和水彩画都是用水作为颜料的调和剂。水在国画和水彩画中都具有十分重要的作用。无论国画还是水彩画，对水的运用都有很多讲究。作画时，水分的多少要视绘画题材和画面效果而定，并且与所选纸张的吸水性有直接关系，气候的干湿也影响着水的运用。但总起来看，水的作用有三：一是用于调和颜料；二是用于打湿纸面；三是用于晕化色墨。比如水彩画，一般的绘画程序就是要先将画纸打湿，然后再加涂颜料。如果一次涂色深度不够，还需要第二次、第三次涂色，其方法就是待上次涂层干透后，再将纸面打湿并在其上面继续涂色。国画中的工笔画法也需要分层涂色，也是要求上一层涂色干透后再继续下一层的涂色。在国画中，特别是写意画中，恰当地使用水调和色墨，可以达到“淋漓尽致”的效果。其中的水，发挥着至关重要的作用。

（9)覆盖液和矾。在水彩画作画过程中，画家经常使用覆盖液，以便达到某种绘画效果。而国画材料中则没有覆盖液一说。在国画中，也有一种特殊材料，是其它画种[当然包括水彩画]并不使用的，这就是矾。矾在国画中，一是可以用来熟纸[即将生宣纸变成熟宣纸]；二是可在一定程度上作为色墨的阻挡液，有些覆盖液的效果；三是直接作为绘画颜料，如用于冰雪画。

三、国画和水彩画在作画思路上的异同

（ 10）绘画设计。国画讲究意在笔先、成竹在胸，水彩画多以写实主义为指导，重在写实和光色的运用。晋代画家顾恺之提出“巧密于精思”。唐代张彦远在《历代名画记》中讲道：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似，皆本于大意而归乎用笔。”他认为只有立意在先，画中才有奇意。清代的方薰在他的《山静居画论》中也强调了立意与作画的关系：“作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古。”他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画必俗气，因为他们缺乏画家最宝贵的“立意”。“意”从哪里来？来源于画家对现实生活的丰富体察和创作经验的充分积累；来源于画家自身的修养。虽然在西方绘画家那里，也是重视绘画立意的，如意大利文艺复兴时期的画家达·芬奇就说过：“一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。”但是，西方绘画中对于意境的要求，远没有国画那样，将其置于首位。总体上说，西方绘画[当然包括水彩画]更注重的是如何写实、如何造型和如何表现光色。

（11）绘画意图。国画讲究绘画寓意[画外之音]、象征性，水彩画更强调的是唯美主义。国画的山水、花鸟往往含有象征意义，例如以梅花、松树象征不畏严寒，顶风冒雪，不屈不挠的斗争精神，以莲、竹象征高洁等。明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说：“古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主。”水彩风景画和水彩静物画主要是追求画面上的美观，讲究光和色的调和，绘画内容反而居于次要地位。

（12）美学要求。国画讲究以形传神。水彩画靠光色取胜。“以形写神”是晋代画家顾恺之的一句名言。在国画中，“神”高于“形”。在这种美学观的指导下，画人物不仅仅要外形上相似，而且要神似，要画出人的精神面貌，而后者比之于前者更为重要。水彩画的着眼点首先是外形的相像，“对于“画中神韵”的追求，远不如国画那样强烈。国画尤其是写意画，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。而水彩画则讲求“以形写形”[当然也不是一点儿不强调对“神”的表现]，讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，国画是“表现”的艺术。这种说法确有一定道理。近百年来，西方绘画界出现了抽象画派、印象画派，在他们的绘画中，已经开始多了一些对于绘画中意境、神韵的追求。

四、构图法则上的差异

（13）尺幅大小。水彩画用纸，篇幅一般较小，大多为半米见方，而且比较讲究长宽之间的比例，一般要符合黄金分割律。国画的用纸或长卷，或立轴，有很多作品的长宽比例根本不符合黄金律，但它却能够很好地表现特殊的意境和画家者的主观情趣。

（14）透视方法。水彩画遵照透视学、解剖学和彩色学的原理进行创作，基本手法是采用焦点透视法，在平面上创造出一个立体空间。国画既用焦点透视法，也用散点透视法，但应用最多的还是散点透视构图法。这样可以实现移山搬海、走马观花，即物象在画面出现时，可以按艺术需要伸长或缩短，可以变换位置，以求取得最佳的视觉效果。这是中国古代画家根据艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。如我们所熟知的北宋张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”。观者既能看到城内，又可看到郊野；既能看到桥上的行人，又能看到桥下的船；既能看到近处的楼台树木，又能看到远处纵深的街巷与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透视法去画，许多地方就无法画出来。

（15）画面空间。国画的构图法则中，还有一条也很重要，也是水彩画中一般不使用的，这就是计白当黑。在国画中，既有严守真实的画面景物和画面空白，也有打破真实，按构图需要而艺术化了的画面景物和画面留白。这种应有的或人为设计出来的画面空白，在国画中占有重要地位。而将画面留白作为绘画一部分的做法，就是所谓的“计白当黑”。国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑，即在没有画面的部位，也要象有画面的部位一样，作认真地推敲和处理。水彩画也有“留空”之说。水彩画的“留空”是指一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时先空出来。恰当而准确地空白或浅亮色，也会加强画面的表现力。

五、国画和水彩画在绘画技法上的异同

（16）造型手段不同。国画用线条造型，水彩画用光影造型。国画一个最重要的特点，就是以线造型，以形传神；用皴法分出阴阳明暗，只画其形而不画其影。首先，国画家通过线条、皴法勾出轮廓、阴阳、质感和体积。同时，在国画家看来，线条还是表达作者思想感情的重要手段。国画家对山水、衣纹的勾线，积累了非常丰富的线型，如“十八描”和披麻、斧劈、荷叶、米点等各种皴法。这些在水彩画中是没有的。水彩画也利用线条、飞白[类似国画的皴法]塑造形象，但水彩画的基本造型手段是光影。西洋画[包括水彩画在内]更侧重于通过光和色，来表现物象的质感和空间感，离开要表现的形体、结构、明暗等具体内容，线条本身就没有存在的价值。

（17)色彩理念和色彩运用不同。国画是重视设色的，所以古代把图画叫做“丹青”。丹是朱砂，青是蓝靛，都是绘画上常用的颜色。设色是古代画家必须掌握的基本技法。但是总的来看，国画家对色彩的理解以及用色观念、着色方法，与水彩画家有着很大的差异。

[17-1]国画的景物，不像西洋画那样重视物体的形似，以及物体上的光色变化和画面[设置是暗部]的明亮感，而是更注重景物的神韵、神似，注重“以形传神”、“形神兼备”。

[17-2]随类赋彩色是国画着色的基本法则，随光赋彩是水彩画着色的基本法则。国画比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画一件物品，就赋予这一件物品以基本色。国画中的基本色，也只是一种近似色彩[是随类赋彩而不是随物赋彩，更不是随光赋彩]。虽然有时着色也有浓、淡、干、湿之别，但目的`不是表现物体的光感而是为了破除板滞，以求得颜色本身有丰富的变化和生动的韵味。

[17-3]国画设色常带有画家的主观色彩，甚至抛弃描绘对象本身的颜色，采用人为想象出来的色彩，如朱竹、墨竹、墨兰、墨梅等等。我们可将之称为“随情赋彩”。

[17-4]喜用对比强烈的原色。中国人习惯以红、黄、蓝、白、黑为“五原色”，其中以黑与白为主色。国画讲究“黑白分明”，对比强烈。比如大青绿山水，一般的画法是：用大片的石绿、石青画山石，用泥金勾勒轮廓，用白粉堆染山间云雾，用朱砂点出丹枫。这样一来，青山、白云、红树就形成了强烈的对比。

[17-5]国画的水和天一般不着色，而是借用纸的空白来表现。古人所谓“以素为云，借地为雪”，说是就是这种表现方法。虽然不画云和水，却能表现云水的存在。

[17-6]在国画中，墨与色是不可截然分开的。对于用墨，国画讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。国画的用墨之妙，在于浓淡相生。总的来看，宋代以前的国画设色十分讲究，但文人画兴起后，提倡“意足不求颜色似”，淡彩就逐渐成为国画的主流。在今天看来，淡彩已不能充分反映当代人们丰富的物质生活和精神面貌，需要在继承传统设色经验的基础上，吸收新的营养，创造新的着色理论和新的色彩世界。

（18）着色的具体方法上有很多相似之处。比如国画中的工笔画，以多层平涂为主，每次涂层，都要等上一层干透才行；写意画着色一般是一次到位。水彩画也是以平涂为主，也需要经过多次、分层[也要等上一层干透]涂色才能达到理想效果。但也有一些不同。这种不同，主要是绘画材料和绘画理念的差异所带来的。

[18-1]水彩画的着色有干画法和湿画法之分。干画法也是一种多层画法。它是用层涂的方法，在干透了的底色上，一遍遍地着色，不求渗化效果，多用于表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次。干画法可分层涂、罩色、接色等具体方法。层涂就是在上一层着色干透后，再涂下一层颜色，有的地方需两遍三遍。罩色也是一种干涂，当画面中几块颜色不够统一时，可通过罩色达到统一。比如某一块色彩过暖，罩一层冷色就可以改变其冷暖性质。在最后调整画面时常用此法。接色是在相邻的不同色块之间进行过渡性衔接，以增加色彩变化。 湿画法可分湿重叠和湿接色两种。湿重叠就是将画纸浸湿或部分刷湿，在画纸末干时着色，或在上一层着色末干时就进行下一层着色。这种方法多用于表现雨雾气氛和湿露润泽的情趣。湿接色就是在画面末干时，对相邻的不同色块之间进行过渡性衔接，通过水色流渗，表现色彩的渐变。

[18-2]国画设色方法有重彩和淡彩之分。重彩法多用于在熟宣纸上画工笔画，它以青绿为主色，故称“青绿山水”。需要先用淡墨勾出轮廓，再分层着色，最后用浓墨勾边缘线、点苔。常用的着色方法有渲染、叠染、罩染、衬托等。渲染法是同时用两支笔，一支笔蘸颜色，一支笔蘸清水晕化颜色，解决色彩由浓到淡的过渡问题。叠染就是一层一层地将颜色染上去，使颜色逐渐加深到画面需要的程度。其要求是必须等上一层干透后才能进行下一层着色。罩染就是先铺底，后罩色。选择不同的底色和罩色，可产生丰富的色彩效果，如花青铺底罩石绿有浑厚凝重之感，赭石铺底罩石绿有鲜明温暖之感。衬托就是在纸的背面涂一层与正面景物相应的颜色，使正面颜色更浑厚或更鲜艳，如用石绿来衬汁绿，用石青来衬石绿等。淡彩法设色适用于写意画法或半工半写的画法，它以水墨为主，色彩只起辅助作用。用淡彩法首先要画好墨骨，墨骨画得好，只要轻拂丹青即可。淡彩法以赭石为主色称为“浅绛山水”，以青绿为主色称为小青绿山水。浅绛山水偏重热色，青绿山水偏重冷色，国画也讲究主色调，也讲究冷热色调相济，如所谓“万绿丛中红一点”。此外还有一种泼彩法，它以泼墨法为基础，借用工笔花鸟画的撞水、撞色二法，以取得水、墨、色交融的艺术效果。

（19）用笔上都有一定的讲究，但国画对用笔的要求更为严格。国画讲究书法用笔，而水彩画对于用笔则采取实用主义态度。国画用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，中间气不可断，要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。笔墨二字被当做国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。笔触也是水彩画作品不可缺少的因素，用笔的好坏也直接关系到作品的成败。笔触恰到好处可以提高作品的表现力，使画面活泼、生动。水彩画要求近处的物体对比清晰，笔中所含的水分要少一些[干笔]；远处的物体虚略、模糊，笔中所含水分要多一些[湿笔]，从而产生空间感。无论干笔还是湿笔，运笔的速度都要果断有力。水彩画是加法，多数情况下也是落笔无悔，所以也要求用笔用色尽可能一步到位。

(20)特殊技法上各有用武之地。水彩画的特殊技法包括刀刮法、蜡笔法、吸洗法，喷水法、撒盐法、对印法、油渍法等。刀刮法是用一般削铅笔的小刀刮划，是破坏纸面而造成特殊效果的一种方法。 蜡笔法是用蜡笔或油画棒，在着色前涂于某些位置，涂蜡之处在着色时自然空出。此画法可用来表现稀疏的树叶、夜晚的灯光、繁杂的人群等。吸洗法就是使用吸水纸，趁着色末干便吸去一部分画面的颜色。喷水法就是在着色前或在颜色末干时，对画面喷水，使画面出现被细雨淋湿的效果。撒盐法就是在颜色末干时，撒上细盐粒，使画面干后出现象雪花般的肌理效果。对印法就是在玻璃板或有塑料涂面的光滑纸上，先画出大体颜色，然后把画纸覆盖在上面，将其上面的颜色拓印下来[再稍作加工即可成为一幅水彩画]。油渍法是利用油与水不相溶合的特性，着色时蘸一点松节油，以使画面出现斑斓的油渍效果，使色块增加变化。特殊技法的形成与绘画材料直接相关，有些水彩画的特殊技法已经被国画所借用，有些则不能共用。比如水彩画用的是“硬纸”，画家可以用小刀、铅笔、木条在纸面上做出划痕，这在国画专用的宣纸上是不可想象的。而国画中，利用矾来控制色墨的技法，利用洗衣粉、洗涤剂、盐来扩散色墨的技法，都是利用了宣纸这一特殊绘画载体才得以更好的实现。

六、国画和水彩画在后期处理上的异同

（21）题跋、印章，是国画独有的，也是区别西洋画包括水彩画的重要特点之一。国画善于将诗、书、画、印完美地结合在一起，成为一个不可分割的整体，并且通过题款、用印来提高或补充观赏者的鉴赏和理解，还可以丰富画面的变化，起到互相衬映、互为显彰、点缀与平衡构图的作用。

七、国画和水彩画在画面感觉上的异同

（22）水彩画和国画因工具材料的特性、绘画技法有很多不同，所以最后给人的视觉感受和心理影响也有所不同。一幅好的水彩画，给人的视觉印象，突出表现在色彩斑斓、晶莹透明、滋润流畅、灵活自然、淋漓痛快、轻松活泼这些方面。国画给人的第一感觉是意境，其次是画背后的寓意，第三才是构图、线条、色彩带来的美感。实际上，意境也是美感，不过它是一种宏观的、高层次的、模糊的美感。在国画中，最为讲究的莫过于所谓的“气韵生动”。气韵是国画家的艺术灵境。一幅上好的国画，应该富有生气，新鲜而活泼，具有抒情诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出这种艺术境界，就没有达到国画的基本要求。

总之，从大的方面看，国画与水彩画的主要区别是：国画善用线条，西洋画的线条并明显；国画不注重透视法，西洋画极注重透视法；中国人物画不讲解剖学，水彩人物画很重解剖学；国画不注重背景，水彩画很注重背景。随着时代的前进，特别是“五四”之后，随着西洋画的传入，现代的国画家在继承传统技法的基础上，也在不断吸收素描、油画、水彩画等多种技法，大大丰富了传统国画的表现技巧，有的画家在工具材料上也不断革新，把西洋画的技法巧妙地与国画的传统技法融会在一起，使国画出现了新的生机。我们希望有更多的融合中西的绘画出现！

水粉和水彩的最大区别是水粉不透明，水彩透明。

1、水粉是比水彩浓稠度较高的颜料，两者相比水彩的效果通透明亮，而水粉更加鲜艳浓重。

2、水粉颜料在制作中都加了大量的白粉，具有很强的覆盖力，很适合用很厚的颜料层层覆盖；水彩颜料则比较纯净，除了个别颜料，很少搀有白粉，所以它不具备覆盖力，很透明，绘画的时候只能用很稀薄的颜色层层叠加。

3、绘画程序不同，水粉画的程序基本是先画深色，后画浅色。越是亮，越是白的颜色越要放在最后刻画。水彩则相反，先画浅色，后画深色，越是亮的越要先刻画好。

浅析水彩画艺术中水与色的视觉表现技术

摘 要:水彩画艺术以水为脉,以彩为体,依于境而固于神,兼容西方的色彩造型和东方的用笔、气韵于一体,贯通中西,囊括古今。水彩画艺术表现的核心在于水与色彩的协调与配合,文章对水彩画的水色视觉表现技术进行了创新性研究。

关键词:水彩画 水与色 视觉表现技术

水彩画艺术以水为脉,以彩为体,依于境而固于神,兼容西方的色彩造型和东方的用笔、气韵于一体,贯通中西,囊括古今。水彩画艺术表现的核心在于水与色彩的协调与配合。

一、水彩画中水与彩的关系

水彩画独特的魅力在于水与彩交融所产生的那种难以名状、自然天成、亦幻亦真、神奇美妙的艺术效果,它兼容中西绘画之长,含纳具象抽象之美,在当今绘画艺术中愈显其勃勃生机。吴冠中曾说过:“水彩、水、彩,其特点就在‘水’与‘彩’。不发挥水的长处,它就比不上油画、粉画的表现力度,不发挥彩的特点,比之水墨画的神韵又显逊色,但它妙在水与彩的结合。彩墨虽也敷色,但以墨分五彩的墨来造型,水彩则主要以彩来造型。水彩画应发挥自己的特点。”

二、水彩画的用水之道

水的灵性、品格为水彩画带来了俏丽明快、清新怡人的诗情画意。善用水者,水随人意,在特定的创意精神的驱动下,感情借助水的流淌、扩散、聚集和分解而挥洒。其色或浓或淡,其形或隐或现,虚虚实实,朦朦胧胧。水彩画的水赋予色彩以生命,使颜色透明、富有流动性。这种流动性隐含着作者对客观世界认识的尺度,所以水是水彩画的灵魂。水彩画的用水之道并不只在于经常所说的“水色淋漓”,而在于适当、巧妙,在于有机地表现出画家的感受和艺术个性。“水”不只是一个名词,或是物理概念,它有一个广阔的空间,是一种带有精神性的物质媒介。运用恰当时,任你浸流、泼淀、冲洗、扫渗,或破色、引流、刻划、点洒、喷润,皆浑然天成;违背其特性时,就立刻显滥、僵、焦、寡、滞、闷……。水彩画的故乡虽说是在英国,传统的英国水彩画的水分只是作为调合色彩的一个中间媒介,起得调节色彩浓淡度的作用,类似油画中的调色油。技法仍是以色彩为主,层层薄罩,水的效果与痕迹并不明显。而中国水彩画家的作品,水则被积极利用,把它放到色彩的同等位置。成为了画面元素的重要部分。许多水彩画家习惯把纸打湿,湿润的纸张产生了类似宣纸的功效。因而就有了中国水彩画的这种酣畅淋漓的空灵意境。水的透明和流畅,以及其易溶、易渗的特性使得水彩颜料的色粒在水中流动、渗透,直得“水色交溶”浑然天成。呈现在纸面上亦有明净淡雅之美。透明感、流动感是水彩画的语言之灵魂所在,构成了“有意味的形式”。水彩画只有“透”才会有“韵”为达到这种因透而生的韵。中国传统画家作画往往从某一局部开始,慢慢铺开,没有西方绘画作画程序从小构图,大色调,先整体后局部然后回到整体的反复过程,许多画家甚至追求一次性完成画面,色彩和造型一遍到位。尽量减少颜色的叠加和重复,保持色彩的明丽和杨快。可以说充分发挥了水的特性是中国水彩画的表现和刻画形象的根本手段。有色无水的作品,类似于用水彩追求油画的效果:有水无色的作品,又像水墨画,两者都丢弃了水彩画的语言特点,也丧失了水的文化灵魂,其结果只会使水彩画的表现力更加空洞、苍白无力。

三、水彩画的用色之道

色彩是万物之貌,是构成一切视觉形象的最基本的要素。在造型艺术中,色彩也是最活跃、最富有表现力的语言。水彩画依靠色彩的明度、变化、对比与调和来状物抒情。写实者,精雕细刻,自然景物的形、色、光、质惟妙惟肖;写意者,概括、简洁,画有尽而意无穷;还有装饰者、变形者、抽象者、象征者……神秘莫测的色彩组合与色调变幻为各种题材、形式、风格的水彩艺术表现提供了无限广阔的空间。水彩画靠水与彩的有机结合,形成了一种明快、绚丽、清新、流畅的艺术风貌。众所周知,水彩画属西洋绘画范畴,它注重色彩与空间的塑造,讲究透明感。色彩透明是水彩画最鲜明的特点,也是它区别于其他画种的根本所在。水彩画的用色之道有以下方面:

第一,确保色彩的透明度。水彩画的色彩浓淡深浅变化是靠水来调和,并利用白色的纸底来反射色彩,画面最淡处是纸本身。因此水彩用色方法一般为层层叠加,从浅到深。如果在深色的底子上叠加浅色,画面易出现滞粉、浑浊。而在浅色的底子上叠加深色或罩染深色,既可以产生微妙的层次,使画面有透气感,又能增加画面的厚实和含蓄感。

第二,用色的准确性。水彩色的材料和媒介决定它的表现形式不可能像油画那样层层覆盖,以“堆”色的方式来造型。它要求作画者对色彩的观察判断要准确敏锐,切忌在上色时含糊犹豫,过多的修改、反复的渲染,会使画面既脏又死,难以收拾论文联盟>

你好,是这样的

一水彩画把纸弄湿的目的是让纸平整,因为要用胶带贴边,害怕太干的话容易有空气进去贴不平纸张见水起皱,影响做画的过程和画面效果

二我一般是画完后等干了,直接把纸胶带慢慢一条条撕掉,用手按着撕,小心点拿出的画四周会有干净的白边如果你这样做还不行,建议用刀片和尺子轻轻的沿纸边缘划下来,然后再轻轻撕去边上的胶带也可以用一小块抹布,润湿胶带边缘,再慢慢的撕掉注意要小心不要破坏画面

三你说的把画拿下来后,胶带会留在板子上,这个好办,买一个小喷壶,超市有卖对着剩下的胶带喷水,全部湿透后,就可除去水胶带就是这个好处

四画板没那么容易坏的,你可以买个好点的木头板子,画拿下来后,处理干净后,把它放在阴凉通风处凉干,然后再晒太阳,下次画的时候板子应该不会有什么问题,不会那么容易坏的板子马利的就可以了

水彩画比较麻烦,但是画好了很美,细节需要仔细,不可大意哦希望对你有些帮助!

补充:我明白了,你的意思是裱纸的时候出问题了对吗

水粉和水彩的最大区别是水粉不透明，水彩透明。

1、水粉是比水彩浓稠度较高的颜料，两者相比水彩的效果通透明亮，而水粉更加鲜艳浓重。

2、水粉颜料在制作中都加了大量的白粉，具有很强的覆盖力，很适合用很厚的颜料层层覆盖；水彩颜料则比较纯净，除了个别颜料，很少搀有白粉，所以它不具备覆盖力，很透明，绘画的时候只能用很稀薄的颜色层层叠加。

3、绘画程序不同，水粉画的程序基本是先画深色，后画浅色。越是亮，越是白的颜色越要放在最后刻画。水彩则相反，先画浅色，后画深色，越是亮的越要先刻画好。

方法

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首先,打开ps，把拉到ps里面

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原图进行简单处理

「滤镜」–「滤镜库」–「干画笔」

参数可以根据实际情况调整

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然后

「滤镜」–「Camera Raw 滤镜」

把「曝光」调大、「对比」调小，把「阴影」和「黑色」直接拉到最大

细节」里，把「锐化」的「数量」调到最大，「蒙版」也拉到 80 以上

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然后用「魔棒」/「快速选择工具」把中的天空抠出来

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打开百度，搜索一张好看的漫画天空

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利用快捷键shift+ctrl+alt+v在选区内粘贴并生成蒙版，把素材粘贴到里面即可

静物画，是指以表现现实生活中静止物象为内容的绘画。凡具有审美价值的、静止的物象都可以作为静物画的描绘对象。对静物的描绘可作为独立的画科进行教学和创作，也可以成为绘画作品的有机组成部分，还可以作为造型基础训练的重要手段。由于静物的造型往往比较单纯，静止不动，置于室内，受光状况常较稳定，可根据画者的需要和能力组合描绘，对培养观察、分析对象的能力和提高绘画技能是条有效途径。因此，中外均采取静物写生形式进行绘画基本功训练。对于初学者，这种形式尤为适宜。水彩花卉的画法花，色彩艳丽，形态多姿，为人们所喜爱，为画家所描绘。画家描绘花的美姿，不但可以美化生活，振奋精神，而且可以借花的美质表现一种精神和品格，给人以美的享受和熏陶。然而，由于花的种类繁多，形状、色彩、姿态各异，加之其质地柔软、透明、鲜嫩，更增加了表现的难度。画花卉是绘画基础训练中较难的课题。花有数千种，各有特色，不能一一谈及。但从其外形分析，不外乎有大花和小花、单瓣和复瓣的差异。结合《丁香和波斯菊》一画谈花的画法，就可侧重介绍中小型花和单瓣花的画法，并推及大花和复瓣花头的画法，有举一反三之助。下面具体谈谈《丁香和波斯菊》一画的绘制过程。设置：丁香花小而碎，多个花头长在一起，近似串串葡萄，姿态多样，色彩优美，为了丰富画面，则又寻来几枝波斯菊，插入玻璃瓶置于丁香花的偏后部位，桌面仍感空虚，便随意撒放了几个花瓣。两瓶花安放好后，作者对花的主次、疏密和不同朝向进行了调整，形成了浅灰色背景托深色花，深色花衬浅色花的状况。这样，一个主次分明、层次清楚、疏密适当、统一而有变化的静物设置就显现出来了。构图：根据整个静物的组合状况，采用了横幅构图。勾画轮廓时研究了整个静物的外形变化和留空状况，使其既不拥挤又不空虚，外形具有节奏变化。为了表现花和叶的生动姿态和组合状况，对花和叶的大小、疏密、前后、隐显以及俯、仰、向、背进行了认真观察和勾画，主要花勾画细致，辅助的花和叶仅勾画其外形。这样在勾稿时就分清了主次，给着色用笔留下了创造的余地。着色：着色前对整个静物的色彩组合状况进行了观察，对着色方法和程序亦作了分析和安排。这组静物比较明亮，黄灰色环境包围着紫色和红色两组花束，紫、红两色花束又衬托着明亮的浅色花头，色彩艳丽、层次分明、主题十分突出。着色以干湿画法相结合，从浅到深较为适宜。根据这种分析，涂绘大调子时，从浅色花头和水罐画起，仅画出浅淡的基色；然后将纸染湿，用大笔接画背景并力求一次画准；在背景未干时就重叠模糊而虚远的花和叶，井逐步画向较清晰的及至玻璃瓶和桌子。主要花头和前突的部分物象，等大体色干后用干后重叠法再进行加工。这幅画朝前的浅色花头是重点描绘对象，丁香花小而碎，加工时未一一刻画，主要是画出花头组合的大的形体、色彩、明暗和层次，在其基础上仅对个别突出花头进行加工；波斯菊是单瓣花头，视其单薄但有体积，描绘时我抓住它俯、仰、向、背的不同朝向，花瓣起伏及其转折的表现，其体积状况就显现出来。花难画主要有两方面难题：一方面是因为花的种类繁多，形色多样，俯、仰、向、背更是变化复杂；另一方面是花束组合，外形起伏多变，花叶四散难以表现。描绘花主要在于先画好花头的形体起伏和明暗色彩变化，以体现其基本形体特征和色彩，在此基础上再抓住个别突出花瓣深入描绘，以表现其个别特征和生动姿态；表现花的组合，首先要把握花束组合大的外形变化，然后再分组描绘其内部起伏，并靠虚实和不同朝向体现其花叶四散的整体形态，这是画花的基本方法。总之，画花要研究其自然生长规律，并遵照艺术规律去概括处理，任何复杂的花束都能真实、生动和艺术地表现出来。

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